{"id":11697,"date":"2025-05-15T01:35:24","date_gmt":"2025-05-15T01:35:24","guid":{"rendered":"https:\/\/taipeirevista.com\/?p=11697"},"modified":"2025-05-19T17:18:24","modified_gmt":"2025-05-19T17:18:24","slug":"una-teatralidad-didactica-play-doc-2025-retrospectiva-michael-roemer","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/taipeirevista.com\/index.php\/2025\/05\/15\/una-teatralidad-didactica-play-doc-2025-retrospectiva-michael-roemer\/","title":{"rendered":"Una teatralidad did\u00e1ctica (Play-Doc 2025: Retrospectiva Michael Roemer)"},"content":{"rendered":"\n

Cabe hacerse las preguntas de rutina al acercarse a la obra de un desconocido <\/em>como Michael Roemer \u2013subrayo enf\u00e1ticamente su condici\u00f3n de desconocido<\/em>, ya que lo es\u2013: \u00bfpor qu\u00e9 hacer una retrospectiva con su nombre en un festival europeo de cine en el 2025? \u00bfDe qu\u00e9 manera entra su obra en el cine entendido como arte particular, como industria, como lenguaje? \u00bfEn qu\u00e9 sentido los productos <\/em>que llevan su nombre y que son presentados juntos aqu\u00ed pueden pretender alcanzar la noci\u00f3n de obra conjunta?<\/p>\n\n\n\n

Una obra tan abierta como la de Roemer presenta muchas respuestas posibles para estos interrogantes: es imprescindible comenzar de a poco. Michael Roemer naci\u00f3 en 1928 en Berl\u00edn, en el seno de una familia jud\u00eda adinerada; en 1939 su familia, que hab\u00eda ido perdiendo sus formas de subsistencia y su dinero debido al gobierno nazi, lo envi\u00f3 a Inglaterra, y en 1945, a Estados Unidos. All\u00ed, estudi\u00f3 literatura en Harvard, de donde se gradu\u00f3 en 1949 y en donde dirigi\u00f3 su primer largometraje (a lo largo de dos a\u00f1os, con un presupuesto estimado de 2300 d\u00f3lares), A Touch of the Times<\/em>, perdido. Durante los a\u00f1os siguientes producir\u00eda y dirigir\u00eda una serie de m\u00e1s de cien pel\u00edculas educativas para la Ford Foundation, de las que no se conserva ninguna. En estos a\u00f1os, comprendidos entre 1950 y 1962, aproximadamente, se encuentra el g\u00e9nesis de toda su obra posterior. La po\u00e9tica que Roemer perfeccion\u00f3 durante los pr\u00f3ximos veinte a\u00f1os de su carrera cinematogr\u00e1fica (si se le puede llamar una carrera cinematogr\u00e1fica) le debe gran parte de sus intereses a la noci\u00f3n del documental<\/em> aprehendido en el trabajo rutinario y anodino de la producci\u00f3n de pel\u00edculas educativas.<\/p>\n\n\n\n

La retrospectiva de su trabajo, que se encuentra actualmente dando vueltas por diversos festivales y cinematecas de Estados Unidos y Europa, comprende tres documentales realizados para televisi\u00f3n entre los a\u00f1os \u201860 y \u201870 (Cortile Cascino<\/em>, Faces of Israel 1966 <\/em>y Dying<\/em>) y cuatro largometrajes de ficci\u00f3n, de los cuales uno solo (Nothing But a Man<\/em>) tuvo un estreno comercial y alguna especie de \u00e9xito durante su estreno original. Los otros tres tuvieron extensos y complicados recorridos luego de su producci\u00f3n, que pueden ser repuestos en el texto que el Harvard Film Archive prepar\u00f3<\/a> para esta retrospectiva. Lo que nos toca a nosotros, entonces, es entender estas dif\u00edciles y diversas producciones como partes de una obra singular, completa y org\u00e1nica, que es, tambi\u00e9n, el resultado de una vida de trabajo: desde los a\u00f1os \u201870 y despu\u00e9s de abandonar el trabajo de las pel\u00edculas educativas, Roemer se convirti\u00f3 en profesor y catedr\u00e1tico en la Universidad de Yale, en donde ense\u00f1ar\u00eda literatura hasta su jubilaci\u00f3n, hace unos a\u00f1os.<\/p>\n\n\n

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The Plot Against Harry<\/em> (1971\/1989)<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n\n\n

Es sencillo, aunque tambi\u00e9n complejo, leer transversalmente sus pel\u00edculas de ficci\u00f3n y de no ficci\u00f3n a partir del documental, de la atenta observaci\u00f3n de la realidad, y, por otro lado, de la ficcionalizaci\u00f3n de situaciones previamente observadas. Sus dos cortos documentales incluidos en la retrospectiva son lo m\u00e1s cercano que se conserva a su trabajo como director de pel\u00edculas educativas descartables: Cortile Cascino <\/em>(1962) y Faces of Israel 1966 <\/em>(1967) muestran dos realidades a partir de una c\u00e1mara que busca ser lo m\u00e1s objetiva posible: un suburbio muy pobre en Palermo, Italia, y la vida para la comunidad jud\u00eda en el (recientemente nuevo para el momento de su filmaci\u00f3n) Estado de Israel. A pesar de su invaluable condici\u00f3n como documentos de realidades muy ajenas que siempre sirven para crear un puente, su forma termina siendo lo que uno m\u00e1s se imaginar\u00eda al pensar en programas informativos hechos para televisi\u00f3n en la d\u00e9cada del \u201860 (a pesar de esto y de haber sido encargados y financiados por cadenas de televisi\u00f3n estadounidenses, ninguno de los dos fue finalmente transmitido al aire). En sus siguientes pel\u00edculas, Roemer pudo combinar esta base de no ficci\u00f3n con su intenso conocimiento de literatura y teatro.<\/p>\n\n\n\n

Es relevante observar atentamente su documental Dying <\/em>(1976), fruto de un trabajo de dos a\u00f1os de observaci\u00f3n de pacientes con enfermedades terminales, realizado a partir de la perspectiva de los moribundos. Dividido en tres segmentos que siguen a tres pacientes distintos, la potencia de Dying<\/em> en relaci\u00f3n al tema que trata se dispersa unilateralmente a lo largo de su duraci\u00f3n, con una condensaci\u00f3n de tensi\u00f3n importante en el segundo bloque. Este sigue a un hombre de mediana edad llamado Bill, enfermo de c\u00e1ncer, si bien el foco del episodio es su esposa Harriet. Roemer nos muestra a la pareja y a sus dos hijos preadolescentes yendo de paseo o en su casa realizando actividades rutinarias, sumado a varias escenas del matrimonio en consultorios m\u00e9dicos y a dos extensas conversaciones de Harriet a solas con m\u00e9dicos. En estas charlas se revelan los mayores miedos de la mujer: que la enfermedad de su esposo la deje sola con dos ni\u00f1os, y que tarde tanto en llev\u00e1rselo como para que ella envejezca a su lado y ya no pueda encontrar un reemplazo de Bill para ayudarla en la crianza de los hijos. Tambi\u00e9n, es en sus peque\u00f1as escenas de exabruptos dom\u00e9sticos (Steven no hace la tarea y no practica el clarinete que le compramos, la casa est\u00e1 desordenada, Ken me grita y tengo que hacer la comida y limpiar y mi marido est\u00e1 en el hospital) en donde aparece la combinaci\u00f3n de sensibilidades e inspiraciones que sirven al cineasta. Lo profundo aparece a trav\u00e9s de lo microsc\u00f3pico, y la observaci\u00f3n objetiva de la realidad es contaminada por los manierismos de una obra de teatro. No le basta a Roemer con la observaci\u00f3n sosegada de formas de vida o sucesos que le parecen interesantes: como dramaturgo, tiene que llenarlas de pathos<\/em>.<\/p>\n\n\n\n

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Dying<\/em> (1976)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Nothing But a Man <\/em>(1964), el \u201cgran\u201d \u00e9xito de Roemer, esgrime desde el primer momento esta mezcla de inspiraciones. Realizada en los a\u00f1os de la emergencia del cine independiente norteamericano siguiendo los desiguales pasos de pel\u00edculas como Little Fugitive <\/em>(Ray Ashley, Morris Engel y Ruth Orkin, 1953), Shadows <\/em>(John Cassavetes, 1959) y The Exiles <\/em>(Kent Mackenzie, 1961)1<\/a><\/sup>, es especialmente particular en su forma, estructura y contenido. A\u00fana la pretendida libertad de los nuevos cines j\u00f3venes de los \u201860 con la rigidez de di\u00e1logo y drama de las obras de Tennessee Williams o Edward Albee y con la parca representaci\u00f3n pict\u00f3rica de la vida diaria estadounidense de posguerra de Edward Hopper, quien se convierte en un referente ineludible al tratar la obra posterior de Roemer. A trav\u00e9s de diferentes cuadros o vi\u00f1etas es narrada la historia de un matrimonio afroamericano y sus complicaciones para conseguir el tan anhelado american way of life<\/em>: los actos de odio racial se suman a la repetici\u00f3n sistem\u00e1tica de traumas generacionales y a los prejuicios de clase (Josie, la mujer, es la hija del p\u00e1rroco del pueblo, mientras que Duff, su pretendiente y esposo, es un obrero que repetidamente pierde los trabajos que tanto le cuestan conseguir). Ver Nothing But a Man<\/em> es, hoy (y debe haber sido en 1964), una experiencia absolutamente singular. Impresiona una combinaci\u00f3n tan radical de formas de pensar la representaci\u00f3n art\u00edstica, y se suma a las deudas que se tiene hasta hoy en d\u00eda con las pel\u00edculas independientes precursoras y olvidadas de los \u201850 y \u201860, films que lograron mostrar con absoluta sinceridad los problemas del d\u00eda a d\u00eda vali\u00e9ndose de los m\u00e1s novedosos avances tecnol\u00f3gicos. Si transcurriera en un suburbio de Los Angeles, se podr\u00eda incluir como precursora de las pel\u00edculas menospreciadas que Thom Andersen lista al final de su Los Angeles Plays Itself <\/em>(2003); obras que, por su peque\u00f1ez, austeridad y falta de pretensiones absolutistas, lograron fijar una cosmovisi\u00f3n en el tiempo, una verdad en celuloide vali\u00e9ndose de sus modos de producci\u00f3n como el medio m\u00e1s eficaz para transmitir significado2<\/a><\/sup>.<\/p>\n\n\n\n

Roemer tambi\u00e9n logra fijar una cosmovisi\u00f3n en el tiempo en The Plot Against Harry<\/em> (1971), proyectada durante una semana en un cine de Seattle en su estreno original y luego redescubierta por su director en 1989, reestrenada ese mismo a\u00f1o en Estados Unidos y varios pa\u00edses europeos y en los festivales de Nueva York y Toronto, adem\u00e1s de nominada a seis premios Independent Spirit. S\u00e1tira que observa de cerca el mundo jud\u00edo de Nueva York con todas las extravagancias y los estereotipos esperados y elevados al m\u00e1ximo, la pel\u00edcula resulta un \u00e9xito en el encapsulamiento de una cierta forma de vivir en un determinado momento. Recuerda a los mejores momentos del cine de Woody Allen de los \u201880, especialmente a Broadway Danny Rose <\/em>(1984), pero supera su hermetismo para encontrar aperturas a sensibilidades inesperadas. Sin dejar de ser una s\u00e1tira, evita aislar a sus personajes extra\u00f1os y an\u00f3malos, ofreci\u00e9ndoles la raz\u00f3n y la l\u00f3gica que otros les niegan, movimiento que es posible emparentar a la afectividad irreverente de los hermanos Farrelly. En las escenas en espacios abiertos y de fiestas familiares encuentra la alegr\u00eda de lo inesperado.<\/p>\n\n\n\n

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Cortile Cascino<\/em> (1962) \/ Nothing But a Man<\/em> (1964)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Es en sus dos \u00faltimas ficciones donde Roemer alcanza una versi\u00f3n ideal de su est\u00e9tica y de un cine que ilumina ef\u00edmeramente, como un rel\u00e1mpago, la posterior producci\u00f3n estadounidense de dramas peque\u00f1os y medianos para el gran p\u00fablico. Pilgrim, Farewell <\/em>(1980) y Vengeance Is Mine <\/em>(1984, originalmente estrenado como Haunted<\/em>) fueron, en un principio, cap\u00edtulos independientes de la serie de televisi\u00f3n antol\u00f3gica American Playhouse<\/em>3<\/a><\/sup>, y como tales no se estrenaron en cines hasta el 2022. Corri\u00e9ndose del registro teatral cl\u00e1sico de sus primeros largometrajes, para estas dos \u00faltimas pel\u00edculas Roemer vuelve a encontrar una fuerte referencia visual en los cuadros de Edward Hopper, adem\u00e1s de tomar como referencia actoral un cine europeo violentamente silencioso a partir de premisas melodram\u00e1ticas que tuvo en Maurice Pialat a su m\u00e1ximo exponente; cine que m\u00e1s adelante inspirar\u00eda las pel\u00edculas m\u00ednimas e independientes de Dan Sallitt, cuya All the Ships at Sea <\/em>(2004) contin\u00faa la serie de personajes cat\u00f3licos reprimidos de Vengeance Is Mine<\/em>. Ambas son un placer visual, de actuaciones y de historia, y se valen enormemente de la observaci\u00f3n en primer plano de la muerte de Dying <\/em>para retratar a personajes lidiando con el final, o con la posibilidad de llegar a uno. Las mujeres desoladas de Hopper (por ejemplo en \u201cNew York Movie\u201d, \u201cAutomat\u201d o \u201cMorning Sun\u201d), que esperan a un costado del plano un sentimiento que no va a llegar, son ac\u00e1 interpretadas por Elizabeth Huddle y Brooke Adams (la \u00fanica cara conocida en una pel\u00edcula del director), desgarradas en la pantalla, destrozadas por sentimientos tan reales como el deseo de Harriet en Dying <\/em>de que su marido muera de una buena vez. El trauma generacional reiterado de Nothing But a Man <\/em>se suma a las intrigas rom\u00e1nticas y a la negaci\u00f3n de una subjetividad que de a poco se vuelve locura. Lo indecible del d\u00eda a d\u00eda encuentra en estas dos ficciones un escape, una forma de la representaci\u00f3n de lo imposible, algo que Hopper tambi\u00e9n hab\u00eda encontrado en sus pinturas. Su \u201cCape Cod Evening\u201d ilustra perfectamente los sentimientos transmitidos por las dos \u00faltimas obras de Roemer, todas las oportunidades desperdiciadas de una vida que salen a la luz en una tarde de verano, o, lo que es lo mismo, la fulgurante alegr\u00eda de una tarde de verano destilada en una serie de oportunidades desperdiciadas. El drama montado en pocas locaciones, comprimido hasta su m\u00e1xima expresi\u00f3n y explicitado s\u00f3lo en un par de decisiones que acarrean un dolor inexpugnable es una de las marcas de autor de Hopper y tambi\u00e9n de Roemer, quien pas\u00f3 completamente desapercibido al mostrar una y otra vez las realidades de las peque\u00f1as familias del pa\u00eds que lo vio crecer.<\/p>\n\n\n\n

Una retrospectiva de su trabajo es una experiencia muchas veces singular en sus m\u00faltiples variantes, y alimenta el deseo de que llegue a m\u00e1s lugares, de que contin\u00fae su paso por las pantallas que pueden apreciarla. Es esencial para entender el recorrido disperso, inc\u00f3modo y zigzagueante del cine norteamericano desde sus primeras expresiones hasta las m\u00e1s novedosas, y tiende un puente entre las amplias audiencias que pueden llegar a ver por casualidad una miniserie en televisi\u00f3n y los quisquillosos p\u00fablicos de festivales que muchas veces menosprecian a los m\u00e1s grandes talentos perennes en pos de novedades pasajeras. Roemer entendi\u00f3 la materia cinematogr\u00e1fica en la rutina del trabajo industrial, y utiliz\u00f3 sus recursos para plasmar la vida interior de un pa\u00eds que se negaba a reconocerla; es imperativo volver a recorrer silenciosamente esas avenidas, llorar bajo esos \u00e1rboles, remar de a poco sobre esas aguas indiferentes.<\/p>\n\n\n

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“Cape Cod Evening” (Hopper, 1939)<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
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Valent\u00edn Luvini<\/strong> naci\u00f3 en Bel\u00e9n de Escobar en el 2003. Le interesan y escribe sobre los entrecruzamientos del cine y la literatura en publicaciones como Taipei<\/em> y En otro orden<\/em>. Estudia la Licenciatura en Letras en la Universidad de Buenos Aires y desde el 2025 investiga como adscripto a la c\u00e1tedra “B” de Literatura Argentina I de dicha universidad.<\/p>\n\n\n\n

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Notas:<\/strong><\/p>\n\n\n\n

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  1. \u00a0Para una clara historia del cine independiente de EEUU es \u00fatil leer Bretal, \u00c1lvaro. \u201c\u00cdntimos e interactivos: El mumblecore<\/em> y sus antecedentes en el cine norteamericano\u201d, en Mumblecore: exploraciones sobre el cine independiente norteamericano<\/em> (Bretal, Porta, Zgaib, eds.). La Plata: Taipei Libros, 2023. Como explica Bretal, los casos de Engel y Morris, el primer Cassavetes o Mackenzie no pueden pensarse sino de manera aislada, \u201csi bien con influencias y preocupaciones afines\u201d (p. 47). \u21a9\ufe0e<\/a><\/li>
  2. \u00a0Diferentes a las de Roemer pero similares al esp\u00edritu y al contenido de Nothing But a Man<\/em>, las pel\u00edculas recordadas por Andersen al final de su documental son Killer of Sheep <\/em>(Charles Burnett, 1978), Bush Mama <\/em>(Haile Gerima, 1979) y Bless Their Little Hearts <\/em>(Billy Woodberry, 1983); peque\u00f1os retratos de familias afroamericanas en la miseria de la llegada de los a\u00f1os \u201880, hacen con los suburbios de Los Angeles lo que Roemer logra con los pueblos sure\u00f1os en Nothing But a Man<\/em> y con los de New England en Pilgrim, Farewell <\/em>y Vengeance is Mine<\/em>. \u21a9\ufe0e<\/a><\/li>
  3. \u00a0Resulta relevante prestar atenci\u00f3n a esta serie de televisi\u00f3n, producida y emitida por PBS entre 1982 y 1996. Solo la primera temporada, en la que se estren\u00f3 Pilgrim, Farewell<\/em>, tambi\u00e9n incluy\u00f3 telefilms como Who Am I This Time?<\/em>, dirigido por Jonathan Demme a partir de un cuento de Kurt Vonnegut, y The Ballad of Gregorio Cortez<\/em>, dirigido por Robert M. Young, frecuente colaborador y amigo de Roemer y figura escondida a descubrir de cierto (otro) cine marginal hecho en Estados Unidos. American Playhouse <\/em>tambi\u00e9n incluy\u00f3 a Nothing But a Man<\/em> como parte de su segunda temporada. \u21a9\ufe0e<\/a><\/li><\/ol>\n\n\n

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