{"id":5507,"date":"2022-05-26T10:14:15","date_gmt":"2022-05-26T10:14:15","guid":{"rendered":"https:\/\/taipeirevista.com\/?p=5507"},"modified":"2023-09-20T14:02:30","modified_gmt":"2023-09-20T14:02:30","slug":"la-maquina-de-hacer-autores-cobertura-de-la-seccion-oficial-de-cortometrajes-del-25-festival-de-malaga","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/taipeirevista.com\/index.php\/2022\/05\/26\/la-maquina-de-hacer-autores-cobertura-de-la-seccion-oficial-de-cortometrajes-del-25-festival-de-malaga\/","title":{"rendered":"La m\u00e1quina de hacer autores | Cobertura de la Secci\u00f3n Oficial de Cortometrajes del 25\u00b0 Festival de M\u00e1laga"},"content":{"rendered":"\n

Para un espectador argentino, ir al Festival de M\u00e1laga es, como m\u00ednimo, una aventura extra\u00f1a. Uno intenta crear un perfil en su cabeza acerca de qu\u00e9 tipo de festival es, pero, por m\u00e1s esfuerzo que uno le ponga, es un festival dif\u00edcil. No hay m\u00e1s que describir la secci\u00f3n oficial para darnos cuenta: se encuentran pel\u00edculas propias del mainstream<\/em> m\u00e1s insoportable y edulcorado(1)<\/a><\/sup> junto a pel\u00edculas bastante m\u00e1s interesantes como Cinco lobitos<\/em>, Utama <\/em>\u2014las dos finalmente ganar\u00e1n la Biznaga de Oro en el certamen(2)<\/a><\/sup>\u2014 o Alcarr\u00e0s<\/em>(3)<\/a><\/sup>. Despu\u00e9s, cuando uno pasa por la secci\u00f3n Zonazine o la secci\u00f3n de cortos, termina encontrando todo lo contrario. El resultado prueba que M\u00e1laga es \u2014como me dijeron varios cr\u00edticos que suelen asistir al festival\u2014 todo el cine espa\u00f1ol: lo bueno y lo malo, lo comercial y lo honesto, el show, el photocall<\/em>, la solemnidad autoral y la experiencia sensorial. As\u00ed que, antes de arrancar, atentos: pensar estas categor\u00edas como presuntos opuestos implica una lectura bastante discutible sobre el cine y su historia, por lo que prefer\u00ed orientar la cobertura hacia la secci\u00f3n oficial de cortos, ya que resulta una imagen mucho m\u00e1s clara de los problemas de fondo del festival.<\/p>\n\n\n\n

Tambi\u00e9n es cierto que, si la selecci\u00f3n oficial de largometrajes de un festival es un mapa que intenta describir y argumentar el inter\u00e9s por cierto estado de cosas, podr\u00edamos pensar las secciones de cortometrajes como el espacio en el cual los programadores, sin necesidad de seleccionar \u00e9xitos inmediatos, pel\u00edculas perfectas o autores acabados, tienen la oportunidad de tomar riesgos e imaginar un futuro del cine que para ellos resulte deseable. Entonces, en alg\u00fan sentido, es un espacio para apoyar a cineastas emergentes en busca del cine que quieren hacer, dando pinceladas que al fin y al cabo son tentativas de lo que vendr\u00e1. <\/p>\n\n\n\n

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Confinamientos<\/strong><\/p>\n\n\n\n

En Etxean <\/em>(trad. \u201cen casa\u201d), cortometraje de origen vasco y dirigido por Mikel Rueda, el primer confinamiento que podemos encontrar consiste en la elecci\u00f3n de una relaci\u00f3n de aspecto de cuatro tercios (4:3) o similar. La reducci\u00f3n de lo visible, consecuencia de este procedimiento formal, tiene su correlato en la elecci\u00f3n de una profundidad de campo reducida(4)<\/a><\/sup>. El problema es que con estos procedimientos se aborda la historia de un personaje que transita los primeros d\u00edas de una cuarentena, sin hacer mucho m\u00e1s que replicar lo que ocurre del lado del contenido en la construcci\u00f3n de la forma. En resumidas cuentas: un personaje confinado por una pandemia global, informaci\u00f3n en off <\/em>sobre el COVID, un encuadre cerrado y la c\u00e1mara pegada al rostro, sin capacidad de ver con claridad m\u00e1s de dos metros hacia adelante. Es como filmar ni\u00f1os filmando poniendo la c\u00e1mara a su altura: un facilismo a la hora de pensar la planificaci\u00f3n visual de una pel\u00edcula.<\/p>\n\n\n

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Etxean<\/em> (Mikel Rueda)<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n\n\n

Este tipo de \u201csobreintervencionismo\u201d formal a la hora de encarar un realismo pesado, sin mucho que ofrecer en t\u00e9rminos de vitalidad y frescura narrativa, se replica en N\u00e0dia<\/em>, un cortometraje catal\u00e1n con direcci\u00f3n de Sofia Farr\u00e9 Flotats, proyecto de graduaci\u00f3n de su directora en la ESCAC(5)<\/a><\/sup>. Narra la historia de una joven modelo sin rumbo, obsesionada con la perfecci\u00f3n de su figura, motivo por el cual quiere operarse una oreja deforme. Mientras su madre no la deja, su padre est\u00e1 convaleciente en el hospital. Pero la joven, en vez de hablarle, se dedica a usar el celular. En una escena posterior la protagonista se hace selfies<\/em> y se toma un rato para elegir la mejor. En otra, se queda mirando mensajes sin cruzar la calle, mientras el sem\u00e1foro en verde deja pasar a los peatones. Ya entendimos: es una chica superficial. Es el mismo tipo de planteamiento est\u00e9tico que en el caso anterior, sobrio en el tono y sofisticado en la puesta, aqu\u00ed un poquito m\u00e1s definido y fluido dram\u00e1ticamente, pero que no logra ir m\u00e1s all\u00e1 de juzgar al personaje. Ser\u00eda interesante ver un arco, una curva, un \u00e1pice de transformaci\u00f3n o de duda, pero el corto es realmente mon\u00f3tono, ya que tambi\u00e9n en la puesta en escena se elige un intimismo que pretende ser justo, c\u00e1lido e imparcial, pero que no deja ver matices ni dar dos pasos hacia atr\u00e1s para desprender una imagen de conjunto. Es una condena, pero una condena de cerca. <\/p>\n\n\n\n

Una puesta en escena menos ajustada, m\u00e1s brusca, est\u00e1 presente en La buena hermana<\/em>, de Alba Pascual Sen. Se trata de dos hermanas que atraviesan el duelo por la muerte de su madre durante toda la pel\u00edcula. Vemos de nuevo el tema de la incomunicaci\u00f3n, el tiempo muerto, la seriedad. \u00bfQu\u00e9 motivo uno tiene como cineasta para filmar as\u00ed? No es un problema del blanco y negro, obviamente. El tema es que esta decisi\u00f3n agudiza a\u00fan m\u00e1s los problemas de la propuesta est\u00e9tica de la pel\u00edcula, que replican de una manera bastante redundante aquello que sucede \u2014o que no sucede\u2014 en el argumento. Y poco se puede hacer desde la direcci\u00f3n m\u00e1s que convertir el guion en una pieza de museo, en elegir gravedad en el tono para transformar un argumento que se sufre en un objeto de arte. Como en el caso de los dos cortos anteriores, se trata de un cine apagado y desvitalizado, que no se hace preguntas sobre lo que narra(6)<\/a><\/sup> ni sobre las potencialidades de la puesta en escena. Ni hablar de preguntarse sobre el estado del cine actual en relaci\u00f3n a su historia; como poco tienen para decir sobre todo esto, eligen ser excesivamente serios.<\/p>\n\n\n\n

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La buena hermana<\/em> (Alba Pascual Sen)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Temas importantes<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Parece que no hay mejor manera de tratar temas relevantes para la agenda social de turno que mediante patrones formales que tienden al confinamiento. Heltzear<\/em>, quinto cortometraje de su realizador Mikel Gurrea, consiste en la observaci\u00f3n \u2014de nuevo, mediante planos cerrados y escasa profundidad de campo\u2014 de una chica de 15 a\u00f1os que practica escalada, de cara a un supuesto desaf\u00edo deportivo pr\u00f3ximo. Mientras tanto, nos acompa\u00f1a su voz en off<\/em>, que lee una carta enviada a un hermano ausente: una narraci\u00f3n paralela al conflicto vasco (el corto est\u00e1 situado en pleno a\u00f1o 2000) como ambientaci\u00f3n de fondo \u2014quiz\u00e1 muy <\/em>de fondo\u2014. Escindida entre lo que nos cuentan las im\u00e1genes y lo que nos cuenta el sonido, cuesta encontrar puntos de contacto en ambos niveles, m\u00e1s que la obvia inspiraci\u00f3n solemne que el tema de las palabras de fondo impone al material visual. Cuando la carta termina, el corto se desarma a\u00fan m\u00e1s, ya que la saturaci\u00f3n sensorial que tra\u00eda la narraci\u00f3n paralela sosten\u00eda una sensaci\u00f3n de conjunto. Al quedar hu\u00e9rfanas las im\u00e1genes, se deja ver que toda la banda sonora podr\u00eda ser reemplazada por referencias a\u00a0 cualquier otro conflicto hist\u00f3rico, y estar\u00edamos viendo la misma pel\u00edcula.<\/p>\n\n\n\n

Seg\u00fan las palabras de la directora, <\/em>J\u00falia de Paz Solvas, Harta <\/em>es un corto que \u201crelata la violencia machista en la infancia\u201d. Arranca con una nena respirando con agitaci\u00f3n en su cama, por alg\u00fan misterioso motivo. Al d\u00eda siguiente se ver\u00e1 con su padre violento en un centro de cuidado infantil, ya que ese d\u00eda cumple a\u00f1os. El padre llega y parece un gran tipo, hasta que lo dejan solo con la peque\u00f1a. Fuera de la vigilancia atenta de los cuidadores, deja de hablar con ella, se torna silencioso y hosco. Es notable c\u00f3mo el personaje est\u00e1 pintado a brocha gorda: m\u00e1s tarde, obliga a su hija a decirle d\u00f3nde est\u00e1 la casa de su madre de manera violenta y con insultos. En un sem\u00e1foro, la nena sale corriendo y casi la atropella un auto; mientras corre, la seguimos con la c\u00e1mara en un primer plano a su altura, con poca profundidad de campo (como todo el corto) y con una m\u00fasica denotativa y subrayada respecto al tema abordado.<\/p>\n\n\n\n

En t\u00e9rminos narrativos, el asunto no es si el corto trata o no la violencia machista en la infancia, sino c\u00f3mo lo hace: los personajes son a priori malos, miserables, hijos de puta, o buenas personas(7)<\/a><\/sup>. La directora no busca comprender a los personajes, los caracteriza de un solo trazo para ilustrar una lecci\u00f3n moral cocinada de antemano. Como todo est\u00e1 ya predeterminado antes de encarar la escritura dram\u00e1tica, la directora termina por atenuar no solo la consistencia realista de la historia, sino tambi\u00e9n el alcance \u2014o el impacto\u2014 de cualquier decisi\u00f3n narrativa o formal que pueda tomar. As\u00ed, el corto parece m\u00e1s preocupado por exponer de manera did\u00e1ctica el tema a denunciar, que en articularlo en un discurso narrativo tan coherente como cargado de fuerza.<\/p>\n\n\n\n

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Heltzear<\/em> (Mikel Gurrea) \/ Harta<\/em> (J\u00falia de Paz Solvas)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Irrits<\/em>, de Maider Oleaga, incorpora a la secci\u00f3n oficial la tem\u00e1tica l\u00e9sbica. Dos j\u00f3venes monitoras de un campamento de verano pasan la estaci\u00f3n juntas, disfrutando de su amistad y de su sexualidad. Se tiran en malla por una colchoneta gigante entre risas y besos, hasta que una de las dos empieza a coquetear con un chico que es socio del club n\u00e1utico. Despu\u00e9s de sacarse de encima un primer estallido de celos, los tres intentan un tr\u00edo, en la \u00fanica escena de tensi\u00f3n dram\u00e1tica sin di\u00e1logos que hay en toda la secci\u00f3n oficial, que \u2014por contraste\u2014 sobresale un poco. El corto termina con la protagonista andando en bici, no muy satisfecha con ver a los otros dos tortolitos durmiendo tranquilos. Para finalizar,\u00a0 se recurre \u2014de nuevo\u2014 a una m\u00fasica fuerte, cortando de un primer plano de ella en movimiento al t\u00edtulo del corto.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

En Crudo<\/em>, con direcci\u00f3n de Rafael Mart\u00ednez Calle, la asfixia visual persiste; la puesta, al menos, nos regala alg\u00fan que otro plano abierto y nos deja vagar por el cuadro con la mirada, aunque siempre para volver a la claustrofobia \u00f3ptica \u2014en adelante, \u201cbuen gusto”. Los escenarios son rurales: un pueblo, unos caminos de monta\u00f1a y una carnicer\u00eda en las afueras; el tema importante en este caso es la homosexualidad latente del personaje principal. El corto termina con el protagonista caminando acompa\u00f1ado de una m\u00fasica exagerada, y un corte a los cr\u00e9ditos: una forma de efectismo de auteurs<\/em> que resulta grosera y demuestra cierta incapacidad para hacer cine de una manera personal. \u00bfQu\u00e9 pasa cuando en el cine de autor todos hacen lo mismo? \u00bfNo es un poco problem\u00e1tico que, en un cine que se proclama como tal, la norma no sea la mirada especial de su director, sino la recurrencia de procedimientos y estilos en innumerables pel\u00edculas? \u00bfEs as\u00ed como se es seleccionado en festivales?(8)<\/a><\/sup><\/p>\n\n\n\n

Con Inefable<\/em>, de Gerard Oms, se nos ofrece una vez m\u00e1s una puesta en escena que sigue con nula profundidad de campo a una serie de personajes. Esta vez la idea est\u00e1 un poquito m\u00e1s justificada ya que el protagonista es sordomudo y, de alguna manera, el hecho de que el punto de vista de la pel\u00edcula est\u00e9 restringido al del personaje permite que estas decisiones de puesta se rediman. Una puesta un poco m\u00e1s meditada en un sentido narrativo \u2014aunque esto ya es festejar migajas\u2014 hace que Inefable <\/em>destaque por sobre el resto de la competencia. El motivo de que haya m\u00e1s juego de c\u00e1mara tiene que ver con una voluntad de atenerse a una escasa cantidad de recursos: gran parte de los di\u00e1logos se pierden en un dise\u00f1o sampleado que alude a lo que escuchar\u00eda un sordomudo, as\u00ed que la c\u00e1mara est\u00e1 obligada a construir claves visuales a la manera del cine mudo, es decir, solo con hacia d\u00f3nde apunta y por qu\u00e9. <\/p>\n\n\n\n

La frutilla del postre es Est\u00e1 amaneciendo<\/em>, de Guillermo Benet, un corto sopor\u00edfero de casi media hora sobre un treinta\u00f1ero que, un d\u00eda despu\u00e9s de una jornada de un festival, le cuenta a su amiga que quiere dejar el cine. Nunca hizo cine, pero lo quiere dejar. Para ser m\u00e1s espec\u00edficos: quiere abandonar la vida del cine, quiere dejar de ir como espectador a festivales, quiere ponerse traje y corbata para trabajar en una empresa cualquiera. Est\u00e1 amaneciendo<\/em> destila depresi\u00f3n: \u201c\u00bfpara qu\u00e9 voy a seguir dedicando mi vida a algo que s\u00e9 que nunca me va a dar de comer?\u201d. Al ver el departamento de reventado donde el protagonista pasa sus d\u00edas (genial propuesta de arte) se nota que tiene raz\u00f3n y se confundi\u00f3 de oficio(9)<\/a><\/sup>. El colmo del corto es que esto est\u00e1 narrado desde un tono existencialista, nost\u00e1lgico, pesado, que le impide a la pel\u00edcula despegarse de los personajes y de la situaci\u00f3n. Porque podr\u00edamos re\u00edrnos de esa forma de concebir el cine y de estos peque\u00f1os dramas bohemios<\/em>, pero hacemos todo lo contrario: elegimos sufrir. Es la misma clave tonal que se reitera a lo largo de la secci\u00f3n oficial. De cara a ciertos temas \u2014por no decir frente a todos los temas\u2014 no se puede re\u00edr, no se puede ir m\u00e1s all\u00e1 de lo que habr\u00eda que pensar o de c\u00f3mo habr\u00eda que representarlos. Hay que hacerlo con el aplomo y el paso lento, solemne, de quien elige la conformidad frente al descaro, la reiteraci\u00f3n frente al riesgo y, fundamentalmente, el miedo frente a la frescura.<\/p>\n\n\n\n

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Problemas narrativos<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Ruina<\/em>, de Frank Lucas, retrata el deseo y el desarrollo de un plan de venganza por parte de una mujer que, en gran parte del arco dram\u00e1tico del corto, no da m\u00e1s informaci\u00f3n que su g\u00e9nero, su llegada a Barcelona y su intenci\u00f3n de entrar a un lugar misterioso. Pero la puerta no abre, por lo que decide hospedarse en un hostel de la calle de enfrente, desde donde vigila la entrada buscando descubrir la manera de ingresar a ese espacio. <\/p>\n\n\n\n

La operaci\u00f3n cinematogr\u00e1fica de la pel\u00edcula consiste en dos cuestiones: por un lado, casi no sabemos qu\u00e9 est\u00e1 pasando hasta el final \u2014la trama se aclara un poco m\u00e1s cuando la protagonista oculta una pistola forrada con un preservativo dentro de su vagina\u2014 y, por el otro, se construye una opresi\u00f3n urbana a partir de una puesta de c\u00e1mara tan extrema como preciosista, que acerca el cortometraje al peligroso terreno del videoclip. No es casual que el director rellene su bio-filmograf\u00eda con trabajos previos en este g\u00e9nero, redundante en exageraci\u00f3n visual y caprichos sensoriales. En este caso, si bien la planificaci\u00f3n a veces resulta fresca e interesante \u2014deudora, por supuesto, del neo-noir\u2014,<\/em> cae por la misma fuerza de sus grandes dosis de arbitrariedad y obsesi\u00f3n formal. Al mismo tiempo, la informaci\u00f3n dram\u00e1tica que necesit\u00e1bamos no goza del mismo cuidado en su tratamiento: se saca de encima en el cl\u00edmax, con una conversaci\u00f3n clarificadora de motivaciones y datos necesarios para comprender la historia. De esta manera, los veintid\u00f3s minutos que dura el corto consisten en estirar nuestra expectativa y anularla en un solo movimiento, a partir de golpes de efecto.<\/p>\n\n\n\n

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Ruina<\/em> (Frank Lucas)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

La perrera<\/em>, cortometraje malague\u00f1o dirigido por Emilio L\u00f3pez Azuaga, persiste en el confinamiento del que venimos hablando, tanto en el encuadre como en el uso de una profundidad de campo casi nula \u2014al filmar un rostro solo se hace foco en un punto, quedando por ejemplo la barbilla plenamente desenfocada. Esta decisi\u00f3n de llevar al extremo el confinamiento \u00f3ptico tiene su correlato en un descuido t\u00e9cnico que pasa la barrera del riesgo para caer en el amateurismo. Cuando un personaje camina, entra en desenfoque sin ning\u00fan tipo de justificaci\u00f3n o b\u00fasqueda expresiva particular m\u00e1s que la construcci\u00f3n de un estilo repleto de errores conceptuales a la hora de pensar el recurso.<\/p>\n\n\n\n

Sin embargo, aun siendo perezoso desde la realizaci\u00f3n, la idea no est\u00e1 mal: un joven sin presencia paterna ni materna deambula por las calles con sus amigos, roba alguna que otra cosa, se la pasa dando vueltas. En el borde de lo social y lo afectivo, tiene una relaci\u00f3n muy cercana con su perro, al que le gustan las papas fritas de paquete. Al final, nuestro amigo se va de una fiesta con sus compa\u00f1eros y, cuando vuelve, encuentra que su perro se muri\u00f3 por comerse lo que quedaba de un paquete de papas abierto. El joven se amiga con su madre, que lo viene a abrazar, y el corto termina. Dado el puntapi\u00e9 fresco, desprovisto de tanta solemnidad, el desarrollo dram\u00e1tico parece un chiste, pero no lo es: la pel\u00edcula elige el drama, y el chiste no es tomado como chiste. M\u00e1s all\u00e1 de eso, la sensaci\u00f3n de despreocupaci\u00f3n narrativa a la hora de escribir ficci\u00f3n es general: hay que narrar a un personaje, justificar por qu\u00e9 es de la manera en que es \u2014tufillos de naturalismo\u2014, y terminarlo con un suceso que no tiene nada que ver con la mayor parte de lo narrado, que podr\u00eda haber sido cualquier otra cosa, pero siempre con un tono de gran importancia y m\u00fasica extradieg\u00e9tica de cierre. <\/p>\n\n\n\n

Calor infinito<\/em>, de Joaqu\u00edn Le\u00f3n, arranca con un hombre excedido de peso, de unos cuarenta a\u00f1os, masturb\u00e1ndose en la ducha mientras no puede parar de llorar. A continuaci\u00f3n, un concentrado formato acad\u00e9mico de cuatro tercios, con composiciones muy sesudas, basadas en el plano fijo y en generalmente pocos planos por escena, nos lleva a seguir la vida de este hombre, cuya madre desapareci\u00f3 hace tiempo. Luego de unas elipsis, se nos dice que se recuper\u00f3 el cuerpo sin vida. A continuaci\u00f3n, sus restos son cremados y sus cenizas arrojadas en un lago. La narraci\u00f3n es bastante m\u00e1s desordenada que esta descripci\u00f3n: aqu\u00ed intento reunir los pedazos. Lo cierto es que se salta de manera inconexa de la l\u00ednea narrativa del hombre, un criador de puercos, a la de una pareja lesbiana. En un momento, por di\u00e1logo, caemos en que una de las chicas es la hermana del hombre. Luego tiran las cenizas y ellas se tiran al agua desnudas. La hermana dice alguna l\u00ednea de texto inteligente, negra y divertida, sobre que su madre la pari\u00f3 por el co\u00f1o y que ahora ella misma tiene a su madre en el co\u00f1o, pero es un corto que solo se rescata por los destellos y los caprichos, privilegiando la escritura de escenas exc\u00e9ntricas por sobre la construcci\u00f3n del conjunto. <\/p>\n\n\n\n

El festival, a la inversa que la secci\u00f3n oficial de largos, no puede mostrar m\u00e1s de tres cortos de \u201ccine arte\u201d antes de intercalar alg\u00fan corto m\u00e1s televisivo(10)<\/a><\/sup>. Es el caso de Purasangre<\/em>, de C\u00e9sar Tormo, aunque destaca alguna que otra idea interesante de di\u00e1logo. Siempre por la facilona y endeble elipsis a pantalla en negro, para reunir un manojo de sketches <\/em>que da pena que no tengan alg\u00fan hilo conductor. El resultado es malo, aunque peor es la concepci\u00f3n de extremos irreconciliables con la que fue programada una proyecci\u00f3n que abri\u00f3 con Sycorax<\/em>, de Mat\u00edas Pi\u00f1eiro y Lois Pati\u00f1o, <\/em>y ahora termina con esto.<\/p>\n\n\n\n

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Calor infinito<\/em> (Joaqu\u00edn Le\u00f3n)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Algunas excepciones<\/strong><\/p>\n\n\n\n

La historia de un superh\u00e9roe deprimido por no tener superpoderes es, a las luces de la cartelera comercial de los \u00faltimos a\u00f1os, un puntapi\u00e9 interesante. Estamos hablando de Mister Powerful<\/em>, un cortometraje brasile\u00f1o(11)<\/a><\/sup>, dirigido por Oriol Barber\u00e0 Masats. Vestido con un traje de tipo Power Ranger<\/em>, nuestro fallado superh\u00e9roe parece saltar de la animaci\u00f3n a la imagen real con tan solo un travelling<\/em>: vemos su boca de pl\u00e1stico, que parece un dibujo animado, y luego la c\u00e1mara se distancia unos metros para mostrarnos su rostro. Ya en un plano entero, lo vemos sentado en un sal\u00f3n t\u00edpico, como los que solemos habitar.<\/p>\n\n\n\n

El corto transita este ida y vuelta entre un espacio de ficci\u00f3n absoluta, de superh\u00e9roes delirantes y estrellitas de colores, y una realidad depresiva, cotidiana, desprovista de trucos de magia. A pesar de una \u2014a veces pertinente, otras excesiva\u2014 recurrencia de simetr\u00edas y cuadros perfeccionistas que impiden ahondar visualmente en la decadente forma de vida y el estado psicol\u00f3gico del protagonista, Mister Powerful<\/em> pone en escena una imaginativa combinaci\u00f3n entre una narrativa disparatada \u2014pero coherente en s\u00ed misma, atenta a la curva del personaje\u2014, y un despliegue formal \u2014de zooms<\/em>, ralent\u00eds y un llamativo uso de efectos digitales visuales hechos por computadora\u2014 que resulta excesiva pero justificada, dada la tensi\u00f3n entre dos mundos tan desconocidos como inhabitables. <\/p>\n\n\n\n

Plastic Killer<\/em>, de Jos\u00e9 Pozo, est\u00e1 ambientado en un mundo cercano pero levemente dist\u00f3pico. All\u00ed, las bolsas de pl\u00e1stico est\u00e1n prohibidas, y una mujer cuida una bolsa de supermercado como a una hija. Un tono excesivo de comedia negra que juega alrededor del ambientalismo permite el desencadenamiento de una serie de sucesos cada vez m\u00e1s y m\u00e1s excepcionales. El detonante se da cuando una vecina del edificio de esta mujer la amenaza, en nombre de todos los vecinos, para que tire la bolsa, y al d\u00eda siguiente aparece muerta. A continuaci\u00f3n, un polic\u00eda con s\u00edndrome de Tourette \u2014y dos o tres enfermedades m\u00e1s, que le provocan todo tipo de s\u00edntomas, desde gritar insultos hasta quedarse dormido, o perder la fuerza de los m\u00fasculos\u2014 lleva adelante el desarrollo de un interrogatorio con la misma carga de intenci\u00f3n c\u00f3mica. <\/p>\n\n\n\n

Es muy com\u00fan que en los primeros guiones que uno escribe aparezca con regularidad el racconto<\/em>, una especie de relato enmarcado que funciona como un flashback <\/em>extendido, y que puede llegar a durar desde unas escenas hasta casi toda la pel\u00edcula. Es una tendencia que suele manifestarse cuando no se encuentra la manera de hacer funcionar dram\u00e1ticamente las acciones que ocurren en tiempo presente sin recurrir a efectos ni m\u00fasica extradieg\u00e9tica. Entonces los cineastas noveles van y vienen entre una y otra temporalidad con el objetivo de sostener la atenci\u00f3n. Pues vamos, el hecho de que la bolsa parezca tener vida y se torne sospechosa del asesinato \u2014con escenas donde se juega con el fuera de campo \u00e0 la Cat People<\/em>\u2014 permite al cortometraje conseguir una fluidez formal y dram\u00e1tica que lleva este recurso a buen puerto.<\/p>\n\n\n\n

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Mister Powerful<\/em> (Oriol Barber\u00e0 Masats)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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El premio mayor<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Tuve la oportunidad(12)<\/a><\/sup> de ver el cortometraje Rompente<\/em>, de Eloy Dom\u00ednguez Ser\u00e9n, unos d\u00edas despu\u00e9s de terminado el festival, por lo que la impresi\u00f3n fue distinta a la que tuve del resto de los cortos. El personaje principal es un joven pescador de almejas que, no contento con trabajar de eso durante el d\u00eda \u2014y con que la gente que se cruza le regale almejas para comer\u2014, se dedica a una actividad ilegal nocturna: raspar mariscos de las piedras del mar para llev\u00e1rselas a su casa. La justificaci\u00f3n es que vive como la mierda, manteniendo no solo a una novia tan deprimida como deprimente, sino tambi\u00e9n a un padre postrado y a un ni\u00f1o que hace poco m\u00e1s que sufrir la vida diaria a base de llanto. <\/p>\n\n\n\n

Todo en el corto respira un clima opresivo bastante logrado, a fuerza de intimismo, una puesta pegada a los cuerpos, filmando con \u201cbuen gusto\u201d. A esto se suma la inmersi\u00f3n del espectador en un submundo tan particular como la pesca de mariscos, con una b\u00fasqueda de belleza visual llena de opresi\u00f3n y deriva. El conjunto no es tan ins\u00edpido como los otros cortos que caen en esta propuesta, ya que por lo menos tiene una b\u00fasqueda de estructura y un juego con el subtexto. Tiene lo que se necesita para ganar el premio mayor: hace lo que hacen todos, pero un poco mejor que el resto. <\/p>\n\n\n\n

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Lo que vendr\u00e1<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Uno podr\u00eda argumentar que el hecho de programar en la misma secci\u00f3n tanto cine arte como cine comercial implica una apertura del festival, una concepci\u00f3n de que \u201ctodo es cine\u201d. El problema es que, en el intento de superar la antinomia, de fondo se la mantiene. Si bien hay cosas interesantes tanto en la secci\u00f3n oficial de cortometrajes como en la de largos, lo que uno halla es una especie de marca de agua de buen gusto, alejada tanto de b\u00fasquedas formales como de preocupaciones dram\u00e1ticas; una forma de hacer y pensar el cine repetida hasta el hartazgo, que se \u201cequilibra\u201d con propuestas mainstream <\/em>aspiracionales que repiten las mismas falta de vitalidad y voluntad de fotocopia pero en el bando de enfrente. De fondo, hay una imposibilidad de salir de concepciones maniqueas que proyectan una limitaci\u00f3n intelectual e hist\u00f3rica a la hora de concebir el cine, una intenci\u00f3n de perpetuar y profundizar propuestas encapsuladas en s\u00ed mismas, de cines que vac\u00edan de vigor est\u00e9tico y narrativo los t\u00e9rminos \u201csorpresa\u201d y \u201cdescubrimiento\u201d y los llenan con golpes de efecto, planos en 4\/3, foco limitado y tramas basadas en minor\u00edas(13)<\/a><\/sup>. <\/p>\n\n\n\n

Si hay una apuesta del festival por cineastas emergentes en esta secci\u00f3n \u2014la mayor\u00eda son espa\u00f1oles, provienen de escuelas de cine como la ESCAC, la ECAM o la Escuela de Cine de M\u00e1laga, o son sus primeros proyectos como directores de ficci\u00f3n\u2014, conviene hacernos una pregunta menos est\u00e9tica que pedag\u00f3gica (una responsabilidad que ning\u00fan festival de cine con secciones de cortometrajes puede sacarse de encima): \u00bfcu\u00e1l es el feedback<\/em> que una selecci\u00f3n de este tipo le da a cineastas que est\u00e1n comenzando? \u00bfQue para ser seleccionados deben repetirse entre s\u00ed, en un espiral de reiteraciones hacia los mismos lugares, hasta desaparecer? \u00bfQue tienen que agudizar su comprensi\u00f3n de \u201clo que funciona\u201d, en vez de separarse y tomar nuevos caminos? \u00bfHay diversidad cinematogr\u00e1fica cuando la \u00fanica variaci\u00f3n que existe se encuentra en las tem\u00e1ticas(14)<\/a><\/sup>, en el g\u00e9nero del director o en el lugar de procedencia de su autor, por m\u00e1s que siempre se est\u00e9 filmando de la misma manera?(15)<\/a><\/sup><\/p>\n\n\n\n

Por m\u00e1s basura comercial que ofrezca la secci\u00f3n de largometrajes, los premios terminan estando bien atribuidos, as\u00ed que uno puede interpretar que poner este tipo de pel\u00edculas mainstream<\/em> en competencia es solo una operaci\u00f3n del propio festival para conseguir financiaci\u00f3n(16)<\/a><\/sup>. \u00bfPero qu\u00e9 hacen con la secci\u00f3n de cortos, que no deber\u00eda tener este tipo de presiones? El problema, claro est\u00e1, no es el resultado de cada corto, sino el panorama general que muestra la competencia. M\u00e1s all\u00e1 de dos o tres cortometrajes(17)<\/a><\/sup> \u2014de veinte\u2014 es dif\u00edcil encontrar riesgo, frescura, sorpresa o voluntad de hacer cine de una manera personal; no encuentro el deseo de romper con c\u00f3digos preestablecidos(18)<\/a><\/sup> ni de construir algo que funcione en t\u00e9rminos dram\u00e1ticos: todos comparten la misma sensaci\u00f3n de asfixia est\u00e9tica y narrativa generalizada. S\u00ed encuentro ganas de quedar bien, de estar en festivales y de aprender a \u201cjugar el juego\u201d. Y no es un problema de los cineastas: siempre va a haber gente que piense as\u00ed. Es un problema de los que toman las decisiones, de c\u00f3mo lo hacen, de qu\u00e9 sentidos sobre el cine perpet\u00faan y qu\u00e9 posibilidades abren. Esta programaci\u00f3n deja ver problemas conceptuales con respecto al cine, su presente y su historia, tanto a nivel est\u00e9tico como pol\u00edtico. Mientras, de fondo, hay una preocupante ausencia de ideas, un movimiento espiralado de claustrofobia, una imagen que \u2014como posible futuro del cine y apuesta del festival por ese \u201chacia d\u00f3nde\u201d\u2014 no lleva a ning\u00fan lado m\u00e1s que a la desesperanza.  <\/p>\n\n\n\n

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Rompente<\/em> (Eloy Dom\u00ednguez Ser\u00e9n)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Notas:<\/strong><\/p>\n\n\n\n

0 <\/strong>Mis agradecimientos para Guillermo Hormigo, quien supo hacerme algunos comentarios de cara a la publicaci\u00f3n del texto.<\/p>\n\n\n\n

1<\/strong> Pel\u00edculas como Canallas<\/em>, El test<\/em> o C\u00f3digo emperador<\/em>, de un tinte extremadamente orientado a la venta, parecen ser dise\u00f1adas siguiendo a pies juntillas modelos de cine que funcionan en taquilla o en plataformas, haciendo lo que dicen los manuales de guion y nada m\u00e1s, apoy\u00e1ndose en g\u00e9neros que son tomados bastante a la ligera.<\/p>\n\n\n\n

2<\/strong> Dado el perfil de \u201cfestival de cine en espa\u00f1ol\u201d, en M\u00e1laga se dan dos premios principales: una Biznaga de Oro a la mejor pel\u00edcula latinoamericana, y otra a su equivalente espa\u00f1ol.<\/p>\n\n\n\n

3<\/strong> Esta \u00faltima fue dejada fuera de competencia a \u00faltimo momento, dado que gan\u00f3 el Oso de Oro en Berl\u00edn.<\/p>\n\n\n\n

4<\/strong> Por si esta terminolog\u00eda resulta desconocida, la profundidad de campo es la porci\u00f3n de la imagen que est\u00e1 en foco, es decir que se ve n\u00edtidamente. Aqu\u00ed se hace referencia a que esa porci\u00f3n es bastante acotada.<\/p>\n\n\n\n

5<\/strong> La Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Catalu\u00f1a es una escuela de cine espa\u00f1ola. Junto a la ECAM, son las dos escuelas de cine m\u00e1s renombradas de Espa\u00f1a.<\/p>\n\n\n\n

6 <\/strong>No solo desde el guion sino tambi\u00e9n desde la puesta y el tono, que replican de manera tautol\u00f3gica lo que se narra: una depresi\u00f3n de un personaje se narra de forma depresiva, la historia de un ni\u00f1o se narra con la c\u00e1mara baja, una fiesta se narra de manera divertida y clipera, and so on\u2026<\/em> En \u201cEstos somos. Un di\u00e1logo sobre Easy<\/em>, de Joe Swanberg<\/a>\u201d, de Natalio Pag\u00e9s y \u00c1lvaro Bretal, Pag\u00e9s trae algo de esto: \u201cse trata de decisiones formales que reproducen el tono existencial y el estilo de vida [de los personajes], traslad\u00e1ndolos al tono del film y a la experiencia de visionado\u201d. Esto, obviamente, no es un problema en lo particular, pero s\u00ed termina si\u00e9ndolo en la medida en que no se puede salir de ah\u00ed, en el peligro de que se naturalice \u2014en tanto deje de verse como problem\u00e1tica y se vuelva manual\u2014 la operaci\u00f3n de hacer una transposici\u00f3n lineal entre lo que le pasa a los personajes, lo que se narra y c\u00f3mo se narra. El resultado es una constricci\u00f3n terrible de las potencialidades del cine para tratar tanto un duelo como cualquier otro tema.<\/p>\n\n\n\n

7<\/strong> En este sentido, es impresionante el dise\u00f1o sonoro del corto. En un momento, el hombre le rapa la cabeza a su hija, y las cuchillas suenan como si le estuvieran cortando el cuello a la pobre nena.<\/p>\n\n\n\n

8<\/strong> De fondo, al tratarse de un cine que se considera \u201cart\u00edstico\u201d, una nueva pregunta: \u00bfno era que \u201chacer cosas que garpan\u201d era contrario a la forma de ser del artista?<\/p>\n\n\n\n

9<\/strong> Su amiga le pregunta: \u201c\u00bfy la pel\u00edcula que vas a hacer?, \u00bfle has dicho a Jos\u00e9? Lleva dos a\u00f1os escribi\u00e9ndola\u201d, a lo que el protagonista reacciona con sorpresa, acord\u00e1ndose, y dici\u00e9ndole que no sabe qu\u00e9 hacer con eso. \u00bfQui\u00e9n concibe hacer cine como un proceso en el cual ten\u00e9s amigos guionistas escribiendo para que uno dirija durante dos a\u00f1os, y no acordarte de eso? Otro ejemplo de lo que podr\u00eda ser un chiste.<\/p>\n\n\n\n

10 <\/strong>No es el \u00fanico caso: un corto de cada cinco eran de este tipo, casi siempre proyectados fuera de concurso. Los otros cortos, dejados fuera de la cobertura, son Kellys <\/em>(Javier Fesser), y Cemento y acero <\/em>(Oriol Villar).  Me apena que una de las grandes excepciones, Plastic Killer, <\/em>de Jos\u00e9 Pozo, haya sido programada de la misma manera que estos cortos. Pareciera que a los dramas hay que ponerlos en competencia y a las comedias hay que pasarlas por fuera, para que la gente se divierta entre tanto drama, pero sin posibilidad de competir.<\/p>\n\n\n\n

11<\/strong> Vaya a saber por qu\u00e9 est\u00e1 en el festival de M\u00e1laga, si se dice un festival \u201cde cine en espa\u00f1ol\u201d.<\/p>\n\n\n\n

12<\/strong> Agradezco al director del cortometraje, que me dio la oportunidad de ver el cortometraje al contactarlo, ya que no llegu\u00e9 a su proyecci\u00f3n en sala. Lamentablemente, frente a mi intenci\u00f3n de ver el corto \u2014tanto presencialmente como por mail\u2014 no recib\u00ed ning\u00fan tipo de ayuda o respuesta desde el contacto de prensa de la secci\u00f3n de cortometrajes.<\/p>\n\n\n\n

13<\/strong> Este problema no es para nada nuevo, y puede ser \u00fatil retomar aqu\u00ed una cita del cr\u00edtico espa\u00f1ol C\u00e9sar Santos Fontenla, a prop\u00f3sito de la publicaci\u00f3n en castellano de una serie de entrevistas realizadas por los cr\u00edticos de Cahiers du Cin\u00e9ma<\/em> entre 1954 y 1964: \u201cDurante a\u00f1os, casi habr\u00eda que decir durante decenios, la cr\u00edtica cinematogr\u00e1fica ha sido tan \u2018impura\u2019 como lo era la mayor\u00eda del cine de que se ocupaba, juzgando en funci\u00f3n de criterios extracinematogr\u00e1ficos, cuando no anticinematogr\u00e1ficos, estableciendo, parad\u00f3jicamente, que la grandeza de un film estaba en proporci\u00f3n directa a su alejamiento de lo que se calificar\u00eda un d\u00eda como \u2018espec\u00edfico cinematogr\u00e1fico\u2019 y a su acercamiento a otras artes, pl\u00e1sticas o narrativas. (..) [As\u00ed] se despreci\u00f3 al cine americano porque contaba historias aparentemente banales, y se le enfrent\u00f3 a un cine europeo, con frecuencia mediocre, pero que se disfrazaba de plumas culturales<\/em> de pavo real bien por la v\u00eda de los \u2018grandes temas\u2019, bien por la de los \u2018alardes pict\u00f3ricos\u2019\u201d.<\/p>\n\n\n\n

14<\/strong> Hay una cuesti\u00f3n de fondo: la mayor\u00eda de estos cortos fueron financiados por programas nacionales, de comunidades aut\u00f3nomas y\/o ayuntamientos locales. En Espa\u00f1a, a diferencia de la Argentina, hay una gran cantidad de incentivos a la producci\u00f3n tanto de cortos como de largometrajes, organizados de manera piramidal y orientados \u2014en su mayor parte\u2014 a la consagraci\u00f3n de la Agenda 2030, por lo que aqu\u00ed se explica en alguna medida el origen de que casi todo lo que se ve posee una voluntad de poner en juego temas importantes para la consigna antes que una honesta intenci\u00f3n de hacer cine o de abordar estos t\u00f3picos desde un lugar particular. Me pregunto d\u00f3nde est\u00e1 todo el nuevo cine que no goza de estos privilegios: c\u00f3mo se financia, de qu\u00e9 va, si es que existe, y si nada m\u00e1s no se lo programa por no estar en agenda.<\/p>\n\n\n\n

15 <\/strong>Quiz\u00e1 convenga aqu\u00ed citar el final del texto \u201cEl lugar sin l\u00edmites<\/a>\u201d de Jos\u00e9 Miccio, que Milagros Porta tuvo la amabilidad de pasarme: \u201cLos enemigos del cine son todos esos moralistas que quieren convertirlo en un arte elevado o cool<\/em>, en un servicio a la comunidad, en una rama de la pedagog\u00eda, en un canal de transmisi\u00f3n de discursos edificantes, en una m\u00e1quina para hacer crecer conciencias. Es decir, en un mundo sin humor y sin Mal. Contra los buenos y contra los finos existe hoy la cinefilia. Lo dem\u00e1s es obediencia y c\u00e1lculo.\u201d<\/p>\n\n\n\n

16<\/strong> El festival maneja un perfil alto, con mucho apoyo de grandes bancos y marcas como La Caixa, Idealista, Audi y Cervezas Victoria. Apunta a ser un festival de industria muy relevante en t\u00e9rminos fundamentalmente espa\u00f1oles, por lo que la ciudad de M\u00e1laga se ti\u00f1e completamente durante los d\u00edas del festival, teniendo su estreno all\u00ed pel\u00edculas comerciales que dif\u00edcilmente entrar\u00edan en festivales con un perfil m\u00e1s \u201cserio\u201d. En resumidas cuentas: es un festival muy ambicioso, dirigido a la industria, y necesita tener una financiaci\u00f3n acorde a la dimensi\u00f3n que busca tener.<\/p>\n\n\n\n

17<\/strong> M\u00e1s all\u00e1 de las pel\u00edculas antes nombradas y los cortos que son una excepci\u00f3n, lo mejor que vi en M\u00e1laga \u2014parad\u00f3jicamente\u2014 fueron los cortometrajes que realiz\u00f3 Pedro Olea en su \u00e9poca de estudiante de la Escuela Oficial de Cine, realizados en Madrid durante los a\u00f1os 60, restaurados recientemente por la Filmoteca Espa\u00f1ola. Su largometraje El bosque del lobo<\/em>, de 1970, tambi\u00e9n fue proyectado en el marco del festival como Pel\u00edcula de Oro, una t\u00edpica secci\u00f3n de rescates del festival.<\/p>\n\n\n\n

18 <\/strong>De querer hacerlo, cuando el c\u00f3digo preestablecido es este mismo \u201cbuen gusto\u201d que vengo describiendo, quien se arriesgara probablemente quedar\u00eda fuera de la selecci\u00f3n.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

M\u00e1s all\u00e1 de dos o tres cortometrajes \u2014de veinte\u2014 es dif\u00edcil encontrar riesgo, frescura, sorpresa o voluntad de hacer cine de una manera personal; no encuentro el deseo de romper con c\u00f3digos preestablecidos ni de construir algo que funcione en t\u00e9rminos dram\u00e1ticos: todos comparten la misma sensaci\u00f3n de asfixia est\u00e9tica y narrativa generalizada. S\u00ed encuentro ganas de quedar bien, de estar en festivales y de aprender a \u201cjugar el juego\u201d. Y no es un problema de los cineastas: siempre va a haber gente que piense as\u00ed. 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