La edici\u00f3n 2023 despleg\u00f3 focos del cineasta norteamericano Henry King (se proyectaron siete pel\u00edculas: Jesse James<\/em>, The Song of Bernadette<\/em>, The Gunfighter<\/em>, I\u2019d Climb the Highest Mountain<\/em>, Love Is a Many-Splendored Thing<\/em>, The Bravados<\/em> y Beloved Infidel<\/em>), Narcisa Hirsch (Canciones napolitanas, Retrato de un artista como ser humano, Taller, Mundial <\/em>y Seguro que Bach cerraba su puerta cuando quer\u00eda trabajar<\/em>), Manuel Romero (Mujeres que trabajan, Tres anclados en Par\u00eds, Gente bien<\/em> y Elvira Fern\u00e1ndez, vendedora de tienda<\/em>, las tres primeras proyectadas en 16mm, en colaboraci\u00f3n con el Museo del Cine), y uno dedicado al libro El cuadrado de la fortuna<\/em>, editado en Argentina recientemente por Serie Gong (Gertrud<\/em>, de Carl Theodor Dreyer; Le Petit Th\u00e9\u00e2tre de Jean Renoir<\/em>, de Renoir; Simone Barb\u00e8s ou la vertu<\/em>, de Marie-Claude Treilhou; y Le Carr\u00e9 de la fortune, portrait<\/em>, de Pascale Bodet, que, como el libro, consiste en una extensa entrevista al cr\u00edtico y actor Michel Delahaye). Tambi\u00e9n hubo una serie de funciones vinculadas al programa Filmoteca en vivo<\/em>, conducido por Fernando Mart\u00edn Pe\u00f1a y Roger Koza (Una ni\u00f1a busca a su padre<\/em>, de Lev Golub; L\u2019occhio dietro de la parete<\/em>, de Giuliano Petrelli; y The Howling<\/em>, de Joe Dante; todas en 35mm). Entre las pel\u00edculas sueltas, The Way of a Gaucho<\/em>, de Jacques Tourneur, rodada a pocas cuadras del Cineclub, fue el film de apertura; Alligator<\/em>, de Lewis Teague, programada por Jos\u00e9 Miccio, el de clausura, y a modo de \u201cfunci\u00f3n especial\u201d se pudo ver el nuevo trabajo de David Cronenberg, Crimes of the Future<\/em>.<\/p>\n\n\n\n La selecci\u00f3n oficial, siempre mutante y sorpresiva, este a\u00f1o fue un conjunto de d\u00edpticos minimalismo\/maximalismo programados por cuatro invitados: Maui Alena eligi\u00f3 The Atomic Cafe<\/em>, de Jayne Loader y Kevin y Pierce Rafferty, y Ciudad Cero<\/em>, de Kar\u00e9n Shajnaz\u00e1rov; Nicol\u00e1s Carrasco program\u00f3 El enemigo principal<\/em>, de Jorge Sanjin\u00e9s, y \u00a1Vamos a matar, compa\u00f1eros!<\/em>, de Sergio Corbucci; Luc\u00eda Salas seleccion\u00f3 Lovers and Lollipops<\/em>, de Morris Engel y Ruth Orkin, y Freak Orlando<\/em>, de Ulrike Ottinger; y Eva C\u00e1ceres, The Train<\/em>, de John Frankenheimer, y Les jours o\u00f9 je n\u2019existe pas<\/em>, de Jean-Charles Fitoussi. Por \u00faltimo, se dictaron cinco charlas sobre cr\u00edticos de cine (Salas habl\u00f3 sobre Frieda Grafe, Miccio sobre Manny Farber, Pe\u00f1a sobre Homero Alsina Thevenet, Koza sobre Tadao Sato, y Paula F\u00e9lix-Didier sobre V\u00edctor Iturralde), y Miccio se encarg\u00f3 de la bella apertura: la lectura de su texto \u201cFuego sagrado\u201d.<\/p>\n\n\n\n Desde Taipei <\/em>decidimos escribir una cr\u00f3nica dialogada y derivativa de los d\u00edas vividos en C\u00f3rdoba. Nos parece la mejor forma de fijar ese esp\u00edritu cin\u00e9filo que propicia la Semana, originado en la certeza de que el cine no es solo las pel\u00edculas que vemos, sino tambi\u00e9n el modo en que las pensamos, escribimos y conversamos. Esta es la primera entrega, pero aseguramos que no es la \u00faltima, con la esperanza de que el fuego siga vivo mucho tiempo m\u00e1s.<\/p>\n\n\n \u00c1lvaro<\/strong><\/p>\n\n\n\n En Ciudad Cero<\/em>, de Kar\u00e9n Shajnaz\u00e1rov, un ingeniero que trabaja en una empresa viaja desde Mosc\u00fa hasta el pueblo remoto del t\u00edtulo para resolver un negocio muy sencillo con la compa\u00f1\u00eda que les suministra aires acondicionados. La ciudad, plomiza y fabril, se mete adentro de la piel del ingeniero, un tipo igualmente gris, que pretende hacer su trabajo y volver r\u00e1pido a Mosc\u00fa. Dos o tres situaciones que podr\u00edamos llamar bizarras, como una secretaria que lo atiende completamente desnuda o una torta con la forma de su cara ofrecida como postre en un restaurante, acrecientan sus ganas de irse. En definitiva, Varakin, tal el apellido del ingeniero, es un hombre sencillo, enemigo de estridencias. En el restaurante casi vac\u00edo ocurre el acontecimiento central de la pel\u00edcula, o por lo menos el disparador que la mueve de la comedia opaca al misterio asfixiante: el cocinero muere (\u00bfasesinado?, \u00bfsuicidado?) de un tiro frente al protagonista, mientras el mozo sirve la torta perturbadora y sobre un escenario toca una banda de jazz. De ah\u00ed en adelante, Ciudad Cero<\/em> se adentra en terrenos m\u00e1s oscuros; una investigaci\u00f3n imposible que promete no llegar a ning\u00fan lado. Lo obligan a admitir que es el hijo del cocinero muerto, cosa que es mentira; con el argumento de que es testigo del crimen no le permiten tomar un tren que lo saque de la ciudad; un ni\u00f1o le augura que el resto de su vida ser\u00e1 en el pueblo, hasta el d\u00eda de su muerte, fechada en un futuro lejano. Varakin vaga desesperado, al mismo tiempo cada vez m\u00e1s molesto y entregado a la incertidumbre y el encierro. Es imposible saber qu\u00e9 pasa por su cabeza. Una noche se celebra una fiesta para conmemorar al cocinero, que fue el primer habitante de la ciudad en bailar rock \u2018n\u2019 roll<\/em> varias d\u00e9cadas atr\u00e1s. Asumiendo sin demasiado entusiasmo su supuesto rol de hijo, Varakin dice unas palabras y, sobre un escenario con fotos gigantes del muerto y de Elvis, se pone a bailar \u201cRock Around the Clock\u201d. Por primera vez lo vemos sonre\u00edr. En medio de tanta monoton\u00eda, asoma un destello de placer.<\/p>\n\n\n\n Pensaba, mientras miraba la pel\u00edcula, que a veces en los festivales de cine uno se siente como el ingeniero, dando vueltas entre butacas id\u00e9nticas, entregado a im\u00e1genes repetitivas que, por efecto de acumulaci\u00f3n, ponen en evidencia los l\u00edmites del cine contempor\u00e1neo y no tanto sus potencialidades. Muy cada tanto, un \u201cRock Around the Clock\u201d nos moviliza o sorprende. Ciudad Cero<\/em> transcurre a fines de los 80, pero el pueblo est\u00e1 estancado cuarenta a\u00f1os atr\u00e1s; la canci\u00f3n de Bill Haley parece venir del futuro. En los festivales tampoco hay una relaci\u00f3n directa entre sorpresa y tiempo: atrapados en un loop <\/em>de texturas actuales, no es raro que los arrebatos se den en territorios de focos o retrospectivas. Pero, fundamentalmente, pensaba que nada de esto ocurre en la Semana de la Cinefilia, donde la variedad temporal y geogr\u00e1fica es la clave absoluta de la programaci\u00f3n, y la diversidad de programadores, tanto estables como invitados, garantiza cualquier cosa menos el hartazgo. Ah\u00ed, creo, hay algo celebrable. Uno puede encontrarse con pel\u00edculas mejores y peores, pero late una voracidad que se parece bastante a mi idea de la cinefilia, un universo personal y ca\u00f3tico de pel\u00edculas en apariencia irreconciliables.<\/p>\n\n\n\n La pel\u00edcula de Shajnaz\u00e1rov fue programada por Maui Alena como parte de la Selecci\u00f3n Oficial, en esta ocasi\u00f3n compuesta por cuatro d\u00edpticos, a cargo de cuatro personas distintas, de pel\u00edculas signadas por la tensi\u00f3n minimalismo-maximalismo. Llegu\u00e9 a C\u00f3rdoba lo suficientemente tarde como para perderme la fundamentaci\u00f3n de Alena, y por lo tanto no solo no s\u00e9 por qu\u00e9 eligi\u00f3 las pel\u00edculas que eligi\u00f3 (la otra es el documental The Atomic Cafe<\/em>, compuesto por material publicitario y de propaganda filmado en Estados Unidos durante los a\u00f1os m\u00e1s \u00e1lgidos de la Guerra Fr\u00eda), sino que ni siquiera tengo muy en claro cu\u00e1l vendr\u00eda a representar al maximalismo y cu\u00e1l al minimalismo. Si bien yo ubicar\u00eda a Ciudad Cero <\/em>m\u00e1s cerca del minimalismo, creo que podr\u00edan sostenerse argumentaciones convincentes en ambas direcciones. Lo que m\u00e1s me interesa de la propuesta de los organizadores es que obliga a los invitados \u2014y, por extensi\u00f3n, a los espectadores\u2014 a pensar ambas categor\u00edas con creatividad, para no caer en obviedades irremediables como proyectar, por decir algo, una pel\u00edcula de James Benning y una de Cecil B. DeMille.<\/p>\n\n\n Milagros<\/strong><\/p>\n\n\n\n Si hici\u00e9ramos un promedio, se me ocurre que en general hablamos mucho m\u00e1s sobre minimalismo que sobre maximalismo. En lo personal, y para exponer mi ignorancia al respecto, cuando llegu\u00e9 al festival me dio la impresi\u00f3n de estar frente a una palabra inventada. \u00bfSer\u00e1 precipitado tomarlo como s\u00edntoma de \u00e9poca? Las po\u00e9ticas y pol\u00edticas del minimalismo parecen m\u00e1s acordes a un tiempo de stories <\/em>y feeds<\/em>, de textos breves, de im\u00e1genes higi\u00e9nicas y f\u00e1cilmente deglutibles, donde ese loop <\/em>de texturas que se pliegan sobre s\u00ed mismas tiende muchas veces al ascetismo y la econom\u00eda tanto formal como narrativa. Pero no voy a usar esta cr\u00f3nica para arriesgar hip\u00f3tesis apresuradas sobre el cine contempor\u00e1neo. S\u00ed me interesar\u00eda retomar algo que dijo Luc\u00eda Salas cuando presentaba las dos pel\u00edculas que program\u00f3 en la Selecci\u00f3n Oficial: “Ahora no, pero en alg\u00fan momento el maximalismo fue una cosa que me produjo cierto rechazo. Para m\u00ed siempre hab\u00eda estado ligado a una especie de pompa formal (…) y a esta idea del Cine con may\u00fasculas”. Su mea culpa<\/em> expurga, tal vez, una serie de tendencias que exceden a Luc\u00eda y que pueden estar vinculadas con esto que venimos pensando.<\/p>\n\n\n\n En particular, su doble programa, que cerr\u00f3 la Selecci\u00f3n Oficial y, por ende, la primera mitad del festival (luego siguieron las proyecciones en f\u00edlmico, pero de eso vamos a hablar m\u00e1s adelante), propone la pregunta acerca de c\u00f3mo ser\u00edan un minimalismo y un maximalismo feministas. La respuesta arriesgada por Luc\u00eda es esta dupla: Lovers and Lollipops <\/em>(Engel y Orkin, 1956) y Freak Orlando <\/em>(Ottinger, 1981). De la segunda seguro pod\u00e9s hablar mejor vos, porque era trasnoche y, como sab\u00e9s, dormit\u00e9 unos minutos. Sin dudas llegu\u00e9 a notar el efecto que tuvo: ese exilio de espectadores de diversas edades y or\u00edgenes le dio a la pel\u00edcula el calibre de una interpelaci\u00f3n. Nuestro maximalismo es queer<\/em>, es inc\u00f3modo y grit\u00f3n, pareciera decir Freak Orlando<\/em>. Estalla en colores y texturas, pero no te confundas, porque eso no implica que la estad\u00eda sea llevadera. Nuestro maximalismo est\u00e1 hecho de siglos de opresi\u00f3n y de sus efectos en los cuerpos, ahora desbordados, excedidos de la l\u00f3gica y la norma. Nuestro maximalismo es pol\u00edtico. <\/p>\n\n\n\n Ayer le\u00eda en El giro autobiogr\u00e1fico<\/em> de Alberto Giordano que “no es a partir de la amplitud de los temas (mayor, menor o m\u00ednima, ya sea que comprometan las esferas p\u00fablica, privada o \u00edntima), sino a partir de la intensidad con que la escritura sobre cualquier tema imagina posibilidades de vida que hay que pensar el nervio pol\u00edtico de las experiencias literarias”. Creo que, saltando de la literatura al cine, se podr\u00eda decir algo parecido sobre este doble programa. Si la estructura narrativa descuajeringada y proliferante de Freak Orlando<\/em> es una de sus pol\u00edticas, en tanto despliega mundos posibles donde se abren, con mejor o peor suerte, diversas posibilidades de vida<\/em> para su protagonista, cierto repliegue sobre la intimidad podr\u00eda ser la estrategia \u2014contraria, pero igual de efectiva\u2014 de la que disponen Engel y Orkin en Lovers and Lollipops<\/em>. Peggy, una ni\u00f1a que si mal no recuerdo Luc\u00eda Salas describi\u00f3 como terrorista de lo dom\u00e9stico <\/em>o terrorista del puertas adentro<\/em>, tiene que lidiar con el nuevo v\u00ednculo entre su madre Ann y Larry, un tipo con el que reci\u00e9n empieza a salir. El minimalismo est\u00e1 dado, antes que nada, por la focalizaci\u00f3n, que durante largas secuencias prioriza la mirada bajita de Peggy. M\u00e1s all\u00e1 del tono realista, hay un extra\u00f1amiento del mundo que est\u00e1 dado por esa articulaci\u00f3n alrededor de sus necesidades y preocupaciones: la intensidad dram\u00e1tica, pero tambi\u00e9n la imaginaci\u00f3n que desarticula los modos de vida hiperregulados de las amas de casa de los cincuenta para arriesgar puntos de fuga posibles, est\u00e1 ah\u00ed. Es dif\u00edcil tomar una visi\u00f3n infantil del mundo para exprimir la potencia cr\u00edtica que radica en ella, y Lovers and Lollipops <\/em>lo consigue con una econom\u00eda de recursos que fortalece su impacto, sin desmedro del veros\u00edmil, con la ternura como estandarte \u2014adem\u00e1s del humor: c\u00f3mo nos re\u00edmos en esa sala\u2014. La pel\u00edcula es alternativamente b\u00e1lsamo y herida.<\/p>\n\n\n\n \u00c1lvaro<\/strong><\/p>\n\n\n\n Es interesante que Luc\u00eda haya programado, y que vos elijas detenerte en, una pel\u00edcula de Engel y Orkin, de quienes casualmente estoy viendo toda su breve filmograf\u00eda para un texto sobre el lugar que ocupa el mumblecore<\/em> en la historia del cine independiente norteamericano. A partir de Little Fugitive<\/em>, y en una obra que consiste en dos largometrajes en el caso de ella y algunos largos y cortos m\u00e1s en el de \u00e9l, la pareja busc\u00f3 con fascinaci\u00f3n captar el ritmo de las calles neoyorquinas, algo que solo pod\u00edan lograr sacando las c\u00e1maras al aire libre, construyendo relatos como excusa para atrapar acciones cotidianas y furtivas: el d\u00eda a d\u00eda de una metr\u00f3polis que en el cine industrial sol\u00eda ser retratada desde la magia impoluta de los estudios de filmaci\u00f3n. Tras Lovers and Lollipops<\/em>, Engel sigui\u00f3 filmando y Orkin volvi\u00f3 a su amor original, la fotograf\u00eda. Una parte considerable de su obra consiste en deslumbrantes fotos a color del Central Park y las calles aleda\u00f1as tomadas desde la ventana de su departamento. Tanto la vida dom\u00e9stica como las aventuras callejeras empalidecen sin su reverso; una afirmaci\u00f3n v\u00e1lida para mi vida diaria y, creo, tambi\u00e9n, para el cine que m\u00e1s disfruto.<\/p>\n\n\n\n Pocos meses despu\u00e9s de Lovers and Lollipops<\/em> se estren\u00f3 en los cines norteamericanos M\u00e1s grande que la vida<\/em>, de Nicholas Ray. Las dos pel\u00edculas tratan sobre familias, pero con el foco puesto en lugares diferentes. En la de Engel y Orkin se intenta construir una familia alejada de la estructura tradicional; en la de Ray, una familia tipo es destruida desde su interior, corro\u00edda por los trastornos del padre, quien, para afrontar una enfermedad mortal, toma una droga con severos efectos secundarios. M\u00e1s grande que la vida<\/em> no fue programada en la Semana de la Cinefilia, pero es una pel\u00edcula que se me viene a la cabeza cada vez que alguien nombra el minimalismo, el maximalismo y todo eso que est\u00e1 en el medio, o las tensiones posibles en los claroscuros \u2014m\u00e1s ricas, y distintas, que una balanza bien equilibrada\u2014. Breve par\u00e9ntesis: M\u00e1s grande que la vida<\/em>, en realidad, es una traducci\u00f3n literal que no se corresponde con ninguno de sus t\u00edtulos en espa\u00f1ol. En Argentina, por ejemplo, le pusieron Delirio de locura<\/em>, un espanto reiterativo. As\u00ed como no es raro que se confunda minimalismo con falsa delicadeza, tampoco es infrecuente que el maximalismo caiga en la grandilocuencia, una huella de pereza equivalente al abuso de silencios y tiempos muertos. Fin del par\u00e9ntesis.<\/p>\n\n\n M\u00e1s grande que la vida<\/em> es, como Lovers and Lollipops<\/em>, una pel\u00edcula dom\u00e9stica. Tambi\u00e9n es una pel\u00edcula de monstruos, sobre una bestia que crece, y es padecida, en la cotidianeidad del hogar. El maestro interpretado por James Mason es consumido gradualmente por la locura de su droga medicinal, de la cual se vuelve adicto, arrastrando a su familia en la mutaci\u00f3n. En pocos d\u00edas, el docente amable que prefiere hacer horas extras trabajando como operador telef\u00f3nico para taxis antes que buscar \u201calgo a su altura\u201d \u2014como dicen varios personajes, incluida su esposa\u2014 se convierte en un d\u00e9spota. En una escena particularmente siniestra, en la que intenta ense\u00f1arle matem\u00e1tica a su hijo mediante la aplicaci\u00f3n del castigo y el terror, su sombra se agiganta en la pared del estudio. Mason sigue siendo Mason, sin cambios f\u00edsicos de ninguna clase, pero Ray lo hace parecer un gigante. El cineasta, que tiene que mantener este cambio dentro de los l\u00edmites del m\u00e1s absoluto realismo, despliega recursos m\u00ednimos para expresar el crecimiento. M\u00e1s grande que la vida<\/em> es, simult\u00e1neamente, la pel\u00edcula hogare\u00f1a m\u00e1s bestial y la pel\u00edcula fant\u00e1stica m\u00e1s sutil.<\/p>\n\n\n\n En los \u00faltimos segundos de su presentaci\u00f3n a la Semana de la Cinefilia, Jos\u00e9 Miccio coment\u00f3, al pasar, que program\u00f3 Alligator<\/em>, de Lewis Teague, como ejemplo de pel\u00edcula minimalista. Jos\u00e9, que no fue uno de los programadores de la selecci\u00f3n oficial, y por lo tanto no ten\u00eda que cumplir con la exigencia curatorial, no proyect\u00f3 su pel\u00edcula maximalista, The Fabelmans<\/em>: la analiz\u00f3 en su discurso de bienvenida. Ni vos ni yo estuvimos ah\u00ed para ver Alligator<\/em> en el Cineclub, y no s\u00e9 qu\u00e9 habr\u00e1 dicho Jos\u00e9 al presentarla en cuanto a su probable minimalismo. S\u00ed s\u00e9 que Teague se hace cargo de la ardua tradici\u00f3n de crear monstruos con recursos m\u00ednimos, sugiriendo lo m\u00e1s posible y mostrando lo menos. Es una tradici\u00f3n que tiene exponentes hoy c\u00e9lebres, como Jacques Tourneur, pero que encuentra su costado m\u00e1s asequible y generoso en cineastas posteriores, como Teague, Larry Cohen (otro viejo conocido de la Semana Cinefilia: en 2022, Miccio program\u00f3 God Told Me To<\/em>) o Ren\u00e9 Cardona Jr. Desde el pantano, asumen el riesgo de sorprender con una artiller\u00eda humilde que juega a ser arsenal. Al caim\u00e1n del t\u00edtulo lo conocemos primero mediante fragmentos: una v\u00edctima mutilada, un relato, un dibujo. Cuando logramos verlo de cerca, entendemos que su fragmentaci\u00f3n \u2014una parte del hocico, una subjetiva, un rugido\u2014 es igual de inexacta que esa narraci\u00f3n dislocada, de ritmo quebrado y un sinf\u00edn de personajes, que se fue construyendo alrededor de su presencia. El panorama completo, total, impecable, parece decir Teague, no existe. Podemos, en todo caso, hacer abordajes parciales, enfocarnos obsesivamente en ciertos objetos o momentos, de forma m\u00e1s o menos caprichosa. En Cyclone<\/em>, una pel\u00edcula que ojal\u00e1 alg\u00fan d\u00eda veamos en el Cineclub Municipal, Cardona Jr. hace algo parecido, menos preocupado por el colosal fen\u00f3meno meteorol\u00f3gico que por retratar la experiencia de cada uno de los personajes atrapados en un barco durante un cicl\u00f3n, deteni\u00e9ndose en sus rostros sufrientes.<\/p>\n\n\n\n Es com\u00fan que logremos llegar a un remanso reci\u00e9n cuando el ardor baja. Como estas palabras, escritas mucho despu\u00e9s del frenes\u00ed cordob\u00e9s, o el Jimmy Ringo de Gregory Peck en The Gunfighter<\/em>, que tras a\u00f1os de ser un pistolero invencible solo anhela vivir lejos de todo, en paz y en familia. Si hasta Bruce Chatwin, amante como nadie de los viajes y el nomadismo, opt\u00f3 por asentarse en un lugar fijo durante los \u00faltimos a\u00f1os de su vida. Estaba contento; dec\u00eda que en su hogar pod\u00eda escuchar m\u00fasica, leer en la cama, tomar notas y \u201cdarle de comer a cuatro amigos\u201d(1)<\/a><\/sup>. Pero lo verdaderamente dif\u00edcil es la reflexi\u00f3n en<\/em> el caos, ese segundo de introspecci\u00f3n que puede impulsar todo o implosionarlo, pero que inyecta de sentido a la experiencia. Con este palabrer\u00edo quiero decir que extra\u00f1o aquellos pocos d\u00edas en que convivieron, con minutos de diferencia, una pel\u00edcula enorme de John Frankenheimer compartida en la oscuridad por decenas de cuerpos acalorados, una charla de Paula F\u00e9lix-Didier sobre la figura de V\u00edctor Iturralde \u2014quien merece unas l\u00edneas aparte: ya llegar\u00e1n\u2014 y meriendas de apuntes y miradas c\u00f3mplices. Thurston Moore, guitarrista y cantante de Sonic Youth, escribi\u00f3 alguna vez que \u201ccomo cualquier otro regalo, un mix tape<\/em> tambi\u00e9n pone al otro en un compromiso\u201d(2)<\/a><\/sup>. La Semana de la Cinefilia es un gran mix tape<\/em> colectivo, y ac\u00e1 estamos nosotros, comprometidos, poniendo en juego nuestros recuerdos.<\/p>\n\n\n Notas:<\/strong><\/p>\n\n\n\n 1<\/strong> En el texto \u201cUn lugar donde colgar el sombrero\u201d (1984), disponible en el libro recopilatorio Anatom\u00eda de la inquietud<\/em> (Anaya & Mario Muchnik, Barcelona, 1996).<\/p>\n\n\n\n 2<\/strong> En uno de los art\u00edculos del fanzine Arte y cultura del cassette<\/em>, editado en Argentina por Firpo Casa Editora (La Plata, 2022).<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" En marzo, Milagros Porta y \u00c1lvaro Bretal fueron invitados a la 4\u00aa Semana Mundial de la Cinefilia, evento organizado por la revista La vida \u00fatil que se lleva a cabo desde el a\u00f1o 2018 en el Cineclub Municipal de la Ciudad de C\u00f3rdoba. Se trata de un encuentro cin\u00e9filo amplio y diverso, que con el correr de los a\u00f1os crece en invitados, secciones, amigos y esp\u00edritu de aprendizaje colectivo. Esta es la primera parte de una extensa cr\u00f3nica dialogada sobre aquellos d\u00edas cin\u00e9filos y cordobeses.<\/p>\n","protected":false},"author":19,"featured_media":7436,"comment_status":"open","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"_jetpack_memberships_contains_paid_content":false,"footnotes":""},"categories":[9,1201],"tags":[1101,1115,1114,1106,1112,207,1107,531,1109,1108,1103,1104,1110,1111,1100,1113,1105],"class_list":{"0":"post-7432","1":"post","2":"type-post","3":"status-publish","4":"format-standard","5":"has-post-thumbnail","7":"category-dialogos","8":"category-corresponsales","9":"tag-1101","10":"tag-alberto-giordano","11":"tag-bruce-chatwin","12":"tag-jose-miccio","13":"tag-karen-shajnazarov","14":"tag-la-vida-util","15":"tag-lewis-teague","16":"tag-lucia-salas","17":"tag-maximalismo","18":"tag-minimalismo","19":"tag-morris-engel","20":"tag-nicholas-ray","21":"tag-rene-cardona-jr","22":"tag-ruth-orkin","23":"tag-semana-mundial-de-la-cinefilia","24":"tag-thurston-moore","25":"tag-ulrike-ottinger"},"yoast_head":"\n![\"\"](\"https:\/\/taipeirevista.com\/wp-content\/uploads\/2023\/04\/WhatsApp-Image-2022-02-07-at-17.48.40-1-e1644345835881-1024x650.jpeg\")
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