{"id":9084,"date":"2023-12-29T17:49:07","date_gmt":"2023-12-29T17:49:07","guid":{"rendered":"https:\/\/taipeirevista.com\/?p=9084"},"modified":"2023-12-29T22:25:14","modified_gmt":"2023-12-29T22:25:14","slug":"mar-del-plata-mon-amour","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/taipeirevista.com\/index.php\/2023\/12\/29\/mar-del-plata-mon-amour\/","title":{"rendered":"Mar del Plata mon amour"},"content":{"rendered":"\n

Preludio: \u00bfPor qu\u00e9?<\/strong><\/p>\n\n\n\n

El mi\u00e9rcoles 25 de octubre se anunci\u00f3 la programaci\u00f3n de la 38\u00b0 edici\u00f3n del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Los rumores que hab\u00edan circulado acerca de su austeridad redujeron mis expectativas, aunque mi temor reca\u00eda espec\u00edficamente en una secci\u00f3n que, en general, era la que m\u00e1s alegr\u00edas me hab\u00eda dado: la de las retrospectivas. La primera vez que disfrut\u00e9 conscientemente del Festival de Mar del Plata fue en la edici\u00f3n de 2019, especialmente gracias al foco de pel\u00edculas de John M. Stahl proyectado en hermosas copias en f\u00edlmico en el Teatro Col\u00f3n(1)<\/a><\/sup>. Ese a\u00f1o viv\u00ed el despertar de una cinefilia m\u00e1s consciente, con ansia devoradora, donde ten\u00edan un lugar especial las pel\u00edculas de una \u00e9poca lejana, en la que parec\u00eda que no pod\u00eda haber nada m\u00e1s grande que el cine. La pandemia fue la excusa perfecta para ponerme al d\u00eda. En 2021 y 2022, tambi\u00e9n en el marco del festival, pude disfrutar de las retrospectivas dedicadas a Machiko Ky\u014d y Kinuyo Tanaka. <\/p>\n\n\n\n

La programaci\u00f3n result\u00f3 mejor de lo que esperaba, con ausencias inevitables pero tambi\u00e9n con estrenos anticipados y focos dedicados a Adolfo Aristarain, Esteb\u00e1n Sapir y Ana Mariscal, adem\u00e1s de tres pel\u00edculas significativas de una filmograf\u00eda tan ignorada como la georgiana. Tambi\u00e9n hab\u00eda un ciclo especial, Historia(s) del cine franc\u00e9s <\/em>(en clara alusi\u00f3n a Godard), conformado por La pasi\u00f3n de Juana de Arco<\/em> (1928, Carl Theodor Dreyer), Le Roi des Aulnes <\/em>(1931, Marie-Louise Iribe), L\u2019Atalante <\/em>(1934, Jean Vigo), La gran ilusi\u00f3n<\/em> (1937, Jean Renoir), Luz de verano<\/em> (1943, Jean Gr\u00e9millon), Yo, un negro<\/em> (1958, Jean Rouch), Hiroshima mon amour<\/em> (1959, Alain Resnais), Cleo de 5 a 7<\/em> (1962, Agn\u00e8s Varda), El giro<\/em> (1968, Ousmane Semb\u00e8ne) e India Song<\/em> (1975, Marguerite Duras). Era la retrospectiva m\u00e1s extensa del festival. Todas las pel\u00edculas iban a ser proyectadas en el Soundroom de Chauvin, un espacio peque\u00f1o en comparaci\u00f3n al resto de las salas (su capacidad apenas debe superar las cien personas) que, hace poco m\u00e1s de un a\u00f1o, se convirti\u00f3 en la sede del primer espacio INCAA de la ciudad. All\u00ed tambi\u00e9n suele realizarse una proyecci\u00f3n mensual de cine franc\u00e9s gratuito, que incluye tanto cl\u00e1sicos como t\u00edtulos recientes. Con toda esta informaci\u00f3n pude confirmar lo que m\u00e1s tem\u00eda: no iba a haber proyecciones en f\u00edlmico.<\/p>\n\n\n

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Le Roi des Aulnes<\/em> (Iribe, 1931)<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n\n\n

Al momento de explorar la secci\u00f3n en la web y el cat\u00e1logo del festival me sorprendi\u00f3 que no existiese un texto que justificara el criterio de selecci\u00f3n de diez pel\u00edculas francesas tan dis\u00edmiles. Diez pel\u00edculas de las que hab\u00eda visto siete; de las restantes, a una la conoc\u00eda de nombre, de otra solo al director y la tercera se encontraba totalmente fuera de mi radar. Diez pel\u00edculas; una muda, tres o cuatro que se pueden vincular caprichosamente con el realismo po\u00e9tico, una filmada durante la ocupaci\u00f3n, dos vinculadas a la nouvelle vague<\/em>, dos acercamientos tempranos al cine de \u00c1frica desde Occidente, e India Song<\/em>. Diez pel\u00edculas; siete dirigidas por hombres, tres por mujeres. Diez pel\u00edculas; cuatro dirigidas por parisinos, dos por franceses del interior, una por una mujer nacida en Saig\u00f3n cuando era parte de la Indochina francesa, otra por una belga con alma francesa y las restantes por hombres con otra patria: un dan\u00e9s y un senegal\u00e9s. Son llamativas las ausencias: no hay pel\u00edculas ni de los cinco grandes de la Cahiers<\/em> ni vinculadas al impresionismo franc\u00e9s ni de nombres pesados como Robert Bresson o Jean-Pierre Melville. La \u00fanica informaci\u00f3n que da el festival, adem\u00e1s de una breve sinopsis de cada pel\u00edcula, son los logos del Instituto Franc\u00e9s y la Embajada de Francia en Argentina, quienes organizan las proyecciones mensuales en Chauvin y seguramente hayan cedido los derechos para poder proyectarlas. <\/p>\n\n\n\n

Durante los d\u00edas de espera hasta el inicio del festival me pregunt\u00e9 por qu\u00e9 le daba tanta importancia a este ciclo de cine franc\u00e9s. Seguramente a esas diez pel\u00edculas las podr\u00eda encontrar f\u00e1cilmente \u201cpor ah\u00ed\u201d (como suele decir Diego Lerer), por lo que no deb\u00eda ser m\u00e1s que un capricho personal que me interesaran m\u00e1s que muchos estrenos m\u00e1s dif\u00edciles de conseguir. Para colmo, a diferencia de las retrospectivas de a\u00f1os pasados, de las que pr\u00e1cticamente no hab\u00eda visto ninguna pel\u00edcula, esta vez ya conoc\u00eda dos tercios de los t\u00edtulos. Adem\u00e1s, les jugaba en contra el hecho de que iban a ser proyectadas en formato digital. \u00bfPor qu\u00e9 me concentraba en lo viejo y no en lo nuevo? \u00bfPara qu\u00e9 volver? \u00bfEs que deseaba examinar mi memoria y ver si las impresiones que esas pel\u00edculas hab\u00edan dejado en mi cabeza se manten\u00edan o se ca\u00edan a pedazos? Tal vez solo fuera eso: un test de memoria. Parec\u00eda un dilema digno de Resnais. <\/p>\n\n\n\n

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L’Atalante<\/em> (Vigo, 1934)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Las que hab\u00eda visto: memorias conflictivas<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Pase lo que pase, el mundo va a seguir girando. Todos somos reemplazables, nadie es especial. Zygmunt Bauman dice que en la \u00e9poca actual se establece un sistema de \u201ccacer\u00eda constante\u201d en el que cada individuo se plantea una meta y, cuando logra conseguirla, es reemplazada r\u00e1pidamente por otra. La importancia no est\u00e1 en la consecuci\u00f3n del objetivo, sino en el proceso que lleva a \u00e9l. El objetivo es algo superfluo, no significa nada. El florecimiento constante de est\u00edmulos cada vez m\u00e1s pasajeros contribuye al sinsentido. Ante esa constante deshumanizaci\u00f3n, la sensibilidad entra en una crisis que suele expresarse en dos caras distintas: la depresi\u00f3n y la ansiedad. Ambas se vinculan a la falta de autoestima, el autodesprecio y el dolor. La primera se manifiesta como un deseo de autodestrucci\u00f3n, una furia contra la propia existencia que solo encuentra una soluci\u00f3n para acabar con el sufrimiento: el fin de la vida. La otra pone al cerebro en una sensaci\u00f3n de alerta constante, desarrollando un temor infundado hacia la muerte que no permite otra cosa que vivir asustado. La desconfianza magnifica hasta la dolencia m\u00e1s nimia. Incluso el acto de respirar se vuelve una tragedia. El miedo a la muerte nace del miedo a enfrentar situaciones de la vida personal que uno siente gigantes, imposibles de resolver. Yo padec\u00ed ansiedad. Cleo la sufre al menos durante dos horas. Va a una sesi\u00f3n de tarot buscando calmar su temor y solo logra confirmarlo. La vida en color pasa a ser en blanco y negro. Est\u00e1 convencida de que tiene c\u00e1ncer. En pocas horas conocer\u00e1 su diagn\u00f3stico. Intenta retomar su rutina. Las calles de Par\u00eds contin\u00faan su ritmo, nadie se detiene para compadecerse de ella. Todo es asfixiante. Ve su reflejo roto, se ve rota a ella misma. Se acerca a lo que cree importante: su amante, su amiga, su m\u00fasica. En un repertorio de canciones ligeras, sobresale \u201cSans toi\u201d. Cada palabra la consume, exteriorizando su agon\u00eda. Un quiebre. Visita a su amiga, que se desnuda para artistas, y a su pareja. Observa la espontaneidad del v\u00ednculo, vuelve a respirar vida. Pasea por el parque mientras espera la hora para el m\u00e9dico. Se encuentra con un soldado de licencia que intenta conversar con ella. Reticente, cede. Hablan de sus vidas, sus gustos, sus miedos. Cleo descubre que est\u00e1 sobredimensionando las cosas, preocup\u00e1ndose de antemano por algo que a\u00fan no ha sucedido. Al fin, el m\u00e9dico le dice que lo suyo se curar\u00e1 con tratamiento. Su fe hacia la vida se ha restaurado. Gan\u00f3 la batalla contra la mente. En La felicidad<\/em>, tambi\u00e9n de Varda, un personaje se suicida pero nadie nota su ausencia; la vida en sociedad sigue siendo hermosa. En Cleo de 5 a 7<\/em>, en cambio, nos indignamos cuando la sociedad no reacciona ante el sufrimiento de la protagonista. Cleo encuentra la salvaci\u00f3n. Yo la encontr\u00e9 en aquellas personas con quienes comparto las mismas inquietudes y temores. En los tiempos que corren, la \u00fanica resistencia posible es sostenernos entre nosotros. <\/p>\n\n\n\n

La esencia de lo humano habita en cada fotograma de L\u2019Atalante<\/em>. La hab\u00eda visto por azar: en el cable anunciaban Milagro en Mil\u00e1n<\/em>, pero pas\u00f3 el tiempo y nunca empez\u00f3. Herido y estafado, termin\u00e9 por mirar la pel\u00edcula de Jean Vigo. Qu\u00e9 belleza, qu\u00e9 milagro. La copia no era la mejor, pero hab\u00eda algo que nunca pude olvidar. Lo llamar\u00eda su alma. De la trama recordaba poco; solamente el barco hom\u00f3nimo, el c\u00f3mico personaje de Michel Simon, una discusi\u00f3n de los novios y el momento en que el marido se sumerge en el r\u00edo, desolado por haberse separado de ella. Bajo el agua, su cuerpo mojado se funde con un recuerdo: las im\u00e1genes de ella vestida de novia. Es una de las sobreimpresiones m\u00e1s hermosas que recuerde. El viernes 3 fue la funci\u00f3n del festival. Ni bien empez\u00f3 pude confirmar que la restauraci\u00f3n le hac\u00eda justicia. A pesar de que se anticipa al per\u00edodo cl\u00e1sico del realismo po\u00e9tico, forma parte del mismo. Es realista en esencia, con tendencia al naturalismo, y justamente all\u00ed reside su poes\u00eda: en la belleza de lo rutinario, lo ordinario, lo banal. Es una pel\u00edcula hecha con amor. La trama es f\u00e1cil de olvidar porque consiste en una serie de trivialidades que le suceden a una pareja de reci\u00e9n casados de provincias cuando emprenden su luna de miel en barco con destino a Par\u00eds. Su virtud recae en la ternura con que est\u00e1n filmadas esas trivialidades. Por ejemplo, la modest\u00edsima ceremonia de bodas o el recorrido que hace la esposa, absorta en una curiosidad inocente, casi infantil, dentro del camarote en el que Michel Simon resguarda sus recuerdos de altamar. La pel\u00edcula es similar a Amanecer<\/em> de Murnau: dos personas confirman su enamoramiento cuando emprenden un viaje hacia la gran ciudad. Pero en Vigo no hay lugar para el mal o la vileza, no hay monstruos externos que acechen a la pareja y amenacen su persistencia. La \u00fanica fuerza que es capaz de matarlos es el quiebre de su amor. En Amanecer<\/em>, el marido se tira al agua para buscar a su esposa pensando que ha muerto por su falta. En L\u2019Atalante<\/em>, el marido se tira al agua porque no puede aguantar m\u00e1s la ausencia de su esposa, con la que se hab\u00eda peleado por una nimiedad. All\u00ed, con la famosa sobreimpresi\u00f3n, se da cuenta que ella es lo \u00fanico importante en su vida. <\/p>\n\n\n

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Cl\u00e9o de 5 \u00e0 7<\/em> (Varda, 1962)<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n\n\n

En 2020, en Cine.Ar ten\u00edan la tradici\u00f3n de pasar, los domingos a la madrugada, cl\u00e1sicos del cine extranjero: un mes daban cine italiano de grandes directores, otro estaba dedicado a la Commedia all’italiana<\/em>, otro a Henri-Georges Clouzot, otro a Jean Renoir. All\u00ed fue que vi por primera vez La gran ilusi\u00f3n<\/em>, estelarizada por Jean Gabin, Pierre Fresnay y Erich von Stroheim. No s\u00e9 qui\u00e9n dec\u00eda que era imposible hacer una pel\u00edcula antibelicista, ya que al filmar la guerra involuntariamente uno termina por festejar su naturaleza. Renoir encuentra la soluci\u00f3n: en lugar de filmar la violencia, se concentra en los momentos de aparente calma b\u00e9lica, cuando las personas, olvid\u00e1ndose de las banderas y las clases sociales, se tratan como iguales. Como Vigo, Renoir era humanista, por lo que era l\u00f3gico que fuera pacifista. Viendo la pel\u00edcula con mayor detalle, me di cuenta que no sigue un hilo narrativo cl\u00e1sico: funciona como una serie de vi\u00f1etas que retratan la vida cotidiana de los prisioneros de guerra franceses, que solo ans\u00edan la libertad. \u00c0 nous la libert\u00e9<\/em>. <\/em>Hay una secuencia clave en la que los prisioneros cantan con orgullo La Marsellesa<\/em>, muy similar a una de Casablanca<\/em>. En la de Renoir el himno resalta al patriotismo como fuerza movilizadora de hermandad ante la absurdidad de la guerra; en la de Curtiz sirve para unir a ap\u00e1tridas exiliados en Marruecos, actuando como m\u00e9todo de resistencia en una \u00e9poca dominada por fuerzas malignas que solo anhelan el sufrimiento ajeno. En Casablanca<\/em> hab\u00eda villanos. En La gran ilusi\u00f3n<\/em>, <\/em>no. Al capit\u00e1n prusiano que encarna Erich von Stroheim, quien a veces act\u00faa como antagonista, le preocupa m\u00e1s el descenso social de la nobleza que su orgullo nacionalista. Por eso le resulta tan dif\u00edcil y contradictorio dispararle al personaje de Fresnay: son de la misma naturaleza. El arist\u00f3crata Fresnay muere para sacrificarse por el plebeyo Gabin, porque entiende que todos los humanos somos parte de la misma especie. Ah\u00ed reside lo absurdo de la guerra.<\/p>\n\n\n\n

El d\u00eda de La gran ilusi\u00f3n<\/em> era s\u00e1bado, y todav\u00eda me quedaban dos funciones. Al poco tiempo empezaba La pasi\u00f3n de Juana de Arco<\/em>. La hab\u00eda visto por primera vez en 2019, creo que en septiembre. La proyect\u00f3 Carlos M\u00fcller, fundador del Cineclub Dynamo \u2014meca de la cinefilia marplatense\u2014, en el marco de una materia universitaria. Como justo hab\u00eda un paro docente programado, M\u00fcller prepar\u00f3 una clase distinta a las dem\u00e1s: propuso proyectar en 16 mm El \u00e1ngel azul<\/em> de Josef von Sternberg, que se vinculaba tem\u00e1ticamente con el contenido de la materia. Sorprendentemente hubo un cambio de programaci\u00f3n y se proyect\u00f3 La pasi\u00f3n de Juana de Arco<\/em> con m\u00fasica en vivo. Tambi\u00e9n hubo un cambio de sede: ante la escasa asistencia, nos mudamos al Cineclub, que en ese momento funcionaba en el Espacio Bronzini. Fue una experiencia m\u00e1gica. La sensibilidad musical del pianista Axel Otarola se uni\u00f3 en matrimonio con la desesperaci\u00f3n que transmit\u00eda en cada fotograma el rostro eterno de Maria Falconetti. Por momentos abandonaba su rol de instrumentista y se dejaba habitar por la pel\u00edcula, interpretando a un coro de \u00e1ngeles que ruegan por el alma de Juana. No recordaba en detalle el proceso mediante el cual los inquisidores buscaban condenarla a la hoguera. Cuando la volv\u00ed a ver, no me pude concentrar en eso: me vi completamente abrumado por el poder pl\u00e1stico de las im\u00e1genes, capturadas a trav\u00e9s de una pel\u00edcula pancrom\u00e1tica que le imprim\u00eda un hiperrealismo asfixiante a la pel\u00edcula. \u00bfPod\u00edan ser humanas esas bestias que torturaban y humillaban a Juana en nombre de Dios, para que por la fuerza confesase una herej\u00eda que le era ajena? \u00bfPor qu\u00e9 ninguno de esos hombres pod\u00eda sentir un \u00e1pice de compasi\u00f3n ante la expresividad del rostro de Falconetti, inundado de l\u00e1grimas, cuya desaz\u00f3n solo era superada por el tama\u00f1o de su fe? \u00bfPara qu\u00e9 quer\u00eda Dreyer contar la historia de Jesucristo, si ya hab\u00eda hecho la de Juana?<\/p>\n\n\n\n

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La Passion de Jeanne d’Arc<\/em> (Dreyer, 1928)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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De Luz de verano <\/em>no recordaba demasiado. La primera vez que la vi hubo un inconveniente que convirti\u00f3 su visionado en una experiencia frustrante: la copia ten\u00eda subt\u00edtulos incrustados en ingl\u00e9s, sobre los cuales se ubicaba la traducci\u00f3n al espa\u00f1ol. No me acuerdo si termin\u00e9 por verla con el texto en ingl\u00e9s, pero pienso que haber estado tan concentrado en la l\u00ednea de los subt\u00edtulos puede haber hecho que me desentendiera completamente de lo que suced\u00eda en la pel\u00edcula. Pasaba algo en un hotel y hab\u00eda un conflicto de intereses amorosos. \u00bfUna met\u00e1fora sobre la ocupaci\u00f3n? La pel\u00edcula result\u00f3 ser mucho m\u00e1s grande de lo que recordaba. A la hora de los t\u00edtulos iniciales, un dato me agarr\u00f3 desprevenido. Guion: Jacques Pr\u00e9vert. Poeta, socio de Marcel Carn\u00e9 y uno de los pocos guionistas con un sello autoral fuerte en el cine franc\u00e9s de la \u00e9poca. Inicia el film. Un hotel alejado, entre las monta\u00f1as. Una suerte de pent\u00e1gono amoroso. Cuestiones de clase, cuestiones de dinero, cuestiones de apariencia, cuestiones de poder. Una mina, espacio de trabajo obrero inundado de escombros amenazantes. Personajes que dicen m\u00e1s con el silencio que con la palabra. El amor altruista contra el amor ego\u00edsta. Im\u00e1genes iluminadas con tanta delicadeza que la historia parece transcurrir en un lugar ol\u00edmpico e inexistente. Una exquisita secuencia de mascarada, en la que los involucrados nunca se sacan su disfraz y as\u00ed dejan ver su verdadera naturaleza. Y un final chocante, en el que se da muerte a la nostalgia para permitir el florecimiento de una idea renovada del amor, vinculada a la resistencia y la juventud. \u00bfUna met\u00e1fora sobre la ocupaci\u00f3n?<\/p>\n\n\n\n

El domingo a las 13 ten\u00eda cita con Hiroshima mon amour<\/em>. Siempre me gust\u00f3 el cine de Alain Resnais, sobre todo su etapa m\u00e1s desvalorizada: la posterior al Mayo Franc\u00e9s, la de pel\u00edculas como Stavisky<\/em>, Mi t\u00edo de Am\u00e9rica <\/em>o M\u00e9lo<\/em>. Originalmente, Resnais era montajista. M\u00e1s adelante comenz\u00f3 a dirigir cortometrajes documentales. Conoc\u00eda a Varda, quien aparece en Toda la memoria del mundo<\/em>. Con Noche y niebla<\/em>, su gran quiebre, desnud\u00f3 la herida de toda una generaci\u00f3n. La consagraci\u00f3n lleg\u00f3 con El a\u00f1o pasado en Marienbad<\/em>. Delphine Seyrig. Alain Robbe-Grillet. \u00bfUna adaptaci\u00f3n libre de Adolfo Bioy Casares? Juegos de cerillas. Espejos. Personajes que son solo letras, s\u00edmbolos. Repeticiones que no llevan a ning\u00fan lado. La memoria que es olvido. Antes, una pel\u00edcula bisagra: Hiroshima mon amour<\/em>. No recordaba la trama, el motor dram\u00e1tico. No soy tan idiota para olvidar que transcurr\u00eda en Hiroshima, con la llaga at\u00f3mica a\u00fan sangrante, ni para omitir el romance entre una mujer francesa y un hombre japon\u00e9s. Ella, Emmanuelle Riva; \u00e9l, Eiji Okada. B\u00e1sicamente nada: la informaci\u00f3n con que se arma una mala sinopsis. La recordaba dif\u00edcil, compleja, disruptiva, igual que Marienbad<\/em>. Mi memoria me desilusion\u00f3. Al desnudarla de nuevo la reconoc\u00ed como discursiva y narrativamente mucho m\u00e1s sencilla. Inicia con un recurso que Resnais sol\u00eda usar en sus documentales: una narraci\u00f3n que reflexiona sobre distintos temas alrededor de un factor com\u00fan. En este caso, claro, Hiroshima. Despu\u00e9s aparece la ficci\u00f3n. La mujer francesa es una actriz que viaja a Jap\u00f3n para interpretar el rol de una enfermera en una pel\u00edcula sobre la Segunda Guerra Mundial. Del hombre japon\u00e9s no me viene a la mente su ocupaci\u00f3n espec\u00edfica, pero intuyo que es un ejecutivo. Ambos casados e infieles. Ambos conscientes de que lo suyo tiene fecha de vencimiento. A Marguerite Duras, responsable del guion, le gustaban los affaires<\/em> intercontinentales, \u00fanico escape posible ante el horror del colonialismo \u2014aspecto que profundizar\u00e1 en su obra como directora\u2014. De a poco, un relato paralelo se intercala entre los ad\u00falteros. Por medio de su amante, ella puede evocar su primer amor, que es tambi\u00e9n su primer trauma. Como su amor, Francia est\u00e1 ocupada. Cuando lo pierde, tambi\u00e9n pierde su inocencia. El trauma de la guerra en ambos pa\u00edses es algo demasiado espantoso como para que sea digno de permanecer en la mente. Ante ellos, actos y conmemoraciones que se realizan en la ciudad con el fin de que no se ausente la memoria. Finalizan el romance, el trauma y el olvido. Tambi\u00e9n mi recuerdo, al que voy a suprimir por aquel otro m\u00e1s grato de la primera vez que la vi. Al menos hasta que mi camino me encuentre de nuevo en Hiroshima y, con el tiempo, quiz\u00e1s la experiencia vuelva a mutar. Es mejor que algunas cosas queden en la memoria. <\/p>\n\n\n\n

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Hiroshima mon amour<\/em> (Resnais, 1959)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Las que no hab\u00eda visto: nuevas memorias<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Mis expectativas en relaci\u00f3n a las tres pel\u00edculas que iba a ver por primera vez eran muy diferentes. A Le Roi des Aulnes<\/em> ni la registraba. La informaci\u00f3n que hay en internet es muy acotada. Me valgo de Google para aseverar que se trata de una adaptaci\u00f3n de un poema de Goethe, El rey de los alisos. <\/em>A m\u00e1s de un mes de la funci\u00f3n, en mi cabeza la trama se vuelve difusa. Transcurre el medioevo; un padre cabalga junto a su hijo, que est\u00e1 por morir. Asustados, se alojan dentro de una casona. Pero al otro d\u00eda contin\u00faan su marcha, cruzando un bosque inundado de peligros donde seres divinos intentan llevarse al ni\u00f1o, cuyo rostro manifiesta terror ante la muerte. Finalmente llegan al pueblo donde pod\u00edan salvarle la vida, pero ya es demasiado tarde. Argumentalmente es una pel\u00edcula simple y lineal, con poca profundidad psicol\u00f3gica y por momentos repetitiva. Pero hay algo valioso en ella: una b\u00fasqueda formal que se basa en la recuperaci\u00f3n de un cine de trucajes, sobreimpresiones y desapariciones. Un cine basado en la magia, cuyo mayor exponente fue Georges M\u00e9li\u00e8s. Gracias a estos recursos el cine sedujo al mundo entero y demostr\u00f3 su enorme poder de persuasi\u00f3n. Sin embargo, con la conquista del lenguaje narrativo este tipo de pel\u00edculas perdieron valor y terminaron en el olvido. Me invadi\u00f3 una extra\u00f1a sensaci\u00f3n de melancol\u00eda durante la secuencia de la huida por el bosque, cuando un hombre con disfraz de rana aterroriza al ni\u00f1o moribundo. Sus ojos horrorizados destilan una mirada ingenua, capaz de creer en cualquier cosa que se le ponga enfrente. Un espectador.<\/p>\n\n\n\n

El \u00fanico documental del ciclo no pod\u00eda no ser de Jean Rouch, padre del cin\u00e9ma-v\u00e9rit\u00e9 <\/em>gracias a Cr\u00f3nica de un verano<\/em> (codirigida con Edgar Morin), que vi hace poco y me pareci\u00f3 una revelaci\u00f3n. Tambi\u00e9n vi un cortometraje que realiz\u00f3 para la pel\u00edcula colectiva Par\u00eds visto por\u2026<\/em>(2)<\/a><\/sup>. Era la mejor de las seis ficciones, un retrato seco sobre la alienante vida en la capital francesa, con final abrupto y shockeante. A\u00f1os antes hab\u00eda viajado a Costa de Marfil para filmar Yo, un negro<\/em>, documento que atestigua la vida en un pa\u00eds del Tercer Mundo. La pel\u00edcula sigue el d\u00eda a d\u00eda de tres j\u00f3venes que adoptan alter egos cinematogr\u00e1ficos: Eddie Constantine, Edward G. Robinson y Dorothy Lamour. Son inmigrantes sin hogar. Buscan vivir y establecerse en la sociedad, compitiendo ferozmente con quienes ya est\u00e1n establecidos. Sus deseos no son muy distintos a los de los dem\u00e1s varones de todo el mundo: conseguir dinero para beber alcohol y tratar de tener sexo. De hecho, Robinson intenta todo el tiempo meterse entre las s\u00e1banas de Lamour, pero es rechazado reiteradamente a favor de los hombres locales. Una narraci\u00f3n de tono humor\u00edstico y despreocupado acompa\u00f1a sus desventuras. Rouch era antrop\u00f3logo. En su retrato de la juventud africana no los condena ni los celebra. Sin embargo, queda una duda: \u00bfcu\u00e1nto hay de realidad y cu\u00e1ntas situaciones son reconstruidas? \u00bfSe habr\u00e1 inspirado en las an\u00e9cdotas de los j\u00f3venes, intentando ilustrarlas de la manera m\u00e1s fiel posible? Una m\u00fasica alegre resuena en la pel\u00edcula y en mi mente. Debe haber sido la primera vez que desde Occidente se pensaba a \u00c1frica como un sujeto cinematogr\u00e1fico contempor\u00e1neo digno de ser explorado. Un testimonio de voces ignoradas, con preocupaciones t\u00edpicas de su generaci\u00f3n, pero mayores barreras para atravesarlas.<\/p>\n\n\n\n

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Lumi\u00e8re d’\u00e9t\u00e9<\/em> (Gr\u00e9millon, 1943)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Pasaron d\u00edas y funciones. La \u00faltima pel\u00edcula que fui a ver en el marco del ciclo de cine franc\u00e9s fue El giro<\/em>. \u00bfEs verdaderamente francesa? Quiz\u00e1 por el origen de su financiamiento, pero no por su identidad. El senegal\u00e9s Ousmane Semb\u00e8ne fue el primer cineasta africano que gan\u00f3 fama internacional, gracias a La negra de\u2026<\/em>, en la que adopta las t\u00e9cnicas de la nouvelle vague <\/em>para denunciar el racismo casi esclavista con que el pueblo franc\u00e9s subyugaba a los inmigrantes de las antiguas colonias. En El giro<\/em> se aleja de la tragedia y cuenta con mayores dosis de humor las dificultades de un senegal\u00e9s analfabeto para cobrar un giro postal. Solo al principio se ve Par\u00eds: el giro proviene de un sobrino que le env\u00eda algo del dinero que gan\u00f3 all\u00ed. Le recuerda a su t\u00edo el esfuerzo que ha hecho para conseguirlo, dirigiendo un reproche para los emigrantes que no quieren trabajar y hacen quedar mal a los que s\u00ed. Tras la noticia sobreviene una odisea burocr\u00e1tica; odisea de la desconsideraci\u00f3n, de la ley de la selva. El hombre, cargado de deudas y con varias esposas para alimentar, se jacta ante sus conocidos del dinero que va a percibir. Se volver\u00e1 un hombre rico. Pero no puede retirarlo porque no tiene documentos. Alguien se ofrece a agilizar el tr\u00e1mite y conseguirle los papeles, pero lo hace a cambio de dinero. Luego le falta conseguir una imagen suya. Un fot\u00f3grafo le promete tenerla para el otro d\u00eda, pero cobra caro y, en lugar de sacarle una foto, lo estafa. Desesperanzado, el hombre deposita su fe en otro sobrino, que aparenta ser un hombre recto: viste traje, maneja un auto, vive en una casa. Le propone cobrar el giro postal a su nombre. Solo debe expedir una nota que lo autorice. El hombre se cree salvado gracias a la generosidad de su sobrino. El giro es cobrado, pero nunca llega a sus manos. He visto pocas pel\u00edculas que muestren de manera tan expl\u00edcita el rol del dinero dentro de la sociedad como motor de una fuerza esclavizante. Me sorprende que en un lugar que parece tan ajeno florezcan las mismas vilezas a la hora de tomar ventaja de la inocencia de las personas. Aprovecharse de los dem\u00e1s es un mal universal. Lo que es propio de Senegal es el retraso edilicio y educativo. Por eso a la ingenuidad se le suma otro ingrediente, que facilita el afloramiento de par\u00e1sitos: la ignorancia impuesta por Europa, que con a\u00f1os de sometimiento social y econ\u00f3mico impidi\u00f3 el desarrollo de un continente entero. El ciclo de cine franc\u00e9s termina con la pel\u00edcula que critica m\u00e1s expl\u00edcitamente el rol de Francia ante los ojos del mundo. <\/p>\n\n\n

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Mandabi <\/em>(Semb\u00e8ne, 1968)<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n\n\n

Coda: la que ya hab\u00eda visto, pero no vi<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Vuelvo a Delphine Seyrig, vuelvo a Marguerite Duras. India Song<\/em> tuvo una sola funci\u00f3n, el mi\u00e9rcoles 8 a las 17. No pude ir. De todas formas, la recordaba bien. Habr\u00e1 pasado poco m\u00e1s de un a\u00f1o desde que la vi en el Teatro Estudio. El estilo personal de Duras me cautiv\u00f3 por completo; nunca hab\u00eda visto nada parecido. Su cine es estrictamente literario, pero en un sentido distinto al que se suele asociar a esa idea. Impone su base literaria desde el sonido. Una narraci\u00f3n oral expone auditivamente lo que en un texto se define mediante la palabra escrita. Las im\u00e1genes cinematogr\u00e1ficas cumplen la misma funci\u00f3n que las ilustraciones de un libro: completar y hacer prevalecer el punto de vista del autor en la historia que elige contar. Sus pel\u00edculas no se reducen a ilustrar lo que relata en el texto, sino que selecciona meticulosamente secuencias visuales que encierran conceptos generales del mismo. Esto provoca que todo suceda a un ritmo lento y reiterado. Es un cine que invita al tedio y a la dispersi\u00f3n. La historia es la de una mujer casada con un diplom\u00e1tico franc\u00e9s que trabaja en India, donde ambos viven. El \u00fanico escape que encuentra al hast\u00edo de la vida cotidiana son los amor\u00edos espor\u00e1dicos. Solo se niega ante un impulsivo e irascible traficante de marfil, quien anteriormente hab\u00eda montado un esc\u00e1ndalo en un evento social. El traficante es encarnado por Michael Lonsdale, que en la vida real tambi\u00e9n sent\u00eda un amor no correspondido por Seyrig. Al final, el marido se enfrenta cara a cara con los enga\u00f1os de su esposa y ambos se suicidan. Colonialismo, aburrimiento, sexo, sumisi\u00f3n, muerte. Una melod\u00eda de piano se repite durante la pel\u00edcula, impert\u00e9rrita ante las im\u00e1genes que acompa\u00f1a. Una cadena de acciones encaradas sin otro fin que combatir la pesadez de la existencia y que, sin embargo, la acrecientan. India Song<\/em> retrata el tedio de manera formal y discursiva. Esto la convierte en una experiencia fascinante y \u00fanica: al sumergirse en el aburrimiento, Duras logra encontrar y desnudar su esencia. <\/p>\n\n\n\n

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India Song<\/em> (Duras, 1975)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Postludio: \u00bfPara qu\u00e9?<\/strong><\/p>\n\n\n\n

La idea para este texto se me ocurri\u00f3 en los \u00faltimos d\u00edas del festival, pero lo empec\u00e9 un mes despu\u00e9s. Mis recuerdos ser\u00edan m\u00e1s l\u00facidos si hubiese comenzado antes. Cada funci\u00f3n del ciclo fue una experiencia colectiva compartida con las personas que concurrieron a las funciones. La relaci\u00f3n de cada uno de ellos con estas pel\u00edculas es completamente distinta. Se vincula con varias cosas: su bagaje cinematogr\u00e1fico, su emocionalidad, su gusto personal. Me pregunto si en el impacto que una pel\u00edcula produce en uno no pesa m\u00e1s el momento y la condici\u00f3n en que uno la vio que la pel\u00edcula en s\u00ed. <\/p>\n\n\n\n

Me sent\u00ed conflictuado a la hora de recordar cada una de las pel\u00edculas del ciclo. \u00bfQu\u00e9 era espec\u00edficamente lo que se me ven\u00eda a la mente al pensar en ellas? \u00bfPod\u00eda brindar m\u00e1s detalles sobre las condiciones que rodeaban su visionado que sobre ellas mismas? \u00bfPor qu\u00e9 mi memoria retra\u00eda ciertos segmentos e ignoraba otros? \u00bfPor su potencia cinematogr\u00e1fica o por cuestiones subjetivas? \u00bfO era solo el azar? A las que ya hab\u00eda visto, las pude revisar con m\u00e1s claridad, rellenando los huecos que la memoria tiende a dejar vac\u00edos. En algunos casos pude dejar de lado el hilo dram\u00e1tico y poner el ojo en aspectos estil\u00edsticos que suelen perderse en la inocencia de la primera vez. Ocurri\u00f3 lo contrario con las que no hab\u00eda visto: debo esforzarme m\u00e1s para recordarlas. <\/p>\n\n\n\n

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Moi, un noir<\/em> (Rouch, 1958)<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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De todos los estrenos del festival, el que m\u00e1s disfrut\u00e9 fue Hojas de oto\u00f1o,<\/em> la nueva pel\u00edcula de Aki Kaurism\u00e4ki. Es una obra que toma consciencia del lenguaje cinematogr\u00e1fico sin olvidar que el cine debe ser una herramienta de salvaci\u00f3n humana que redobla su valor en tiempos en los que necesitamos alimentarnos de esperanza. El cine puede sanar. En la actualidad existe una tendencia altiva, s\u00e1dica, mis\u00e1ndrica, que plantea abiertamente una p\u00e9rdida de la fe en la humanidad. Tambi\u00e9n se suele dar excesiva importancia a la forma y los simbolismos, prefiriendo lo intelectual por encima de lo espont\u00e1neo. Se trata de un error, porque es en la espontaneidad donde reside la naturaleza po\u00e9tica de la vida. Viendo el ciclo de cine franc\u00e9s me parece irreal que se hayan hecho pel\u00edculas tan distintas hace solo medio siglo. Ahora entiendo mejor por qu\u00e9 prefiero ver pel\u00edculas viejas: antes se ten\u00eda bien en claro para qu\u00e9 se quer\u00eda narrar una historia y por qu\u00e9 se lo hac\u00eda de determinada manera, priorizando el enriquecimiento de la experiencia cinematogr\u00e1fica para el espectador. Predominaba una idea que hoy es una rara avis<\/em>: cine hecho para el cine por personas que aman el cine.<\/p>\n\n\n\n

Las diez pel\u00edculas del ciclo me permiten reconectar con mi pasado, pero tambi\u00e9n con un pasado que nunca habit\u00e9. Me permiten comprender mejor la magnitud de asuntos que me resultan ajenos o distantes. El cine es, entre otras cosas, un documento de \u00e9poca. Francia es un pa\u00eds que le da una importancia especial a su legado cultural, con un trabajo de preservaci\u00f3n ejemplar y pol\u00edticas de difusi\u00f3n de sus obras a lo largo del mundo. \u00bfQui\u00e9n no se sentir\u00eda orgulloso de que se celebrasen ciclos similares sobre cine argentino en otros festivales, con el fin de enriquecer el panorama cin\u00e9filo mundial? Hoy parece algo ut\u00f3pico. No solo no existe una Cinemateca Nacional que se encargue de la preservaci\u00f3n de nuestra memoria; a nadie ajeno a nuestro ambiente parece importarle. Esta desidia vuelve imposible reconstruir de manera completa la historia del cine argentino, que es tambi\u00e9n la historia de Argentina. Un pueblo sin memoria est\u00e1 destinado a olvidar su pasado.<\/p>\n\n\n

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La grande illusion<\/em> (Renoir, 1937)<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n\n\n
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Notas<\/strong><\/p>\n\n\n\n

1<\/strong>  Siempre permanecer\u00e1 en mi memoria la funci\u00f3n de Que el cielo la juzgue<\/em>. En la sala no cab\u00eda un alfiler. Luego de la oscuridad, una bell\u00edsima copia de 35 mm con subt\u00edtulos incrustados en franc\u00e9s inund\u00f3 mis ojos con el Technicolor m\u00e1s bello que recuerde, belleza solo equiparable a la del rostro de Gene Tierney y que contrastaba fuertemente con la vileza y frialdad de su personaje. <\/p>\n\n\n\n

2<\/strong>  Los otros fragmentos son de \u00c9ric Rohmer, Jean-Luc Godard, Jean Douchet, Claude Chabrol y Jean-Daniel Pollet.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Viendo el ciclo de cine franc\u00e9s me parece irreal que se hayan hecho pel\u00edculas tan distintas hace solo medio siglo. Ahora entiendo mejor por qu\u00e9 prefiero ver pel\u00edculas viejas: antes se ten\u00eda bien en claro para qu\u00e9 se quer\u00eda narrar una historia y por qu\u00e9 se lo hac\u00eda de determinada manera, priorizando el enriquecimiento de la experiencia cinematogr\u00e1fica para el espectador. 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